Are you talking to me?

Por un puñado de nada

2006-06-08T02:43:00.000+02:00

El vídeo de Benny es una peli bastante interesante que habla del podrido mundo en que vivimos, y de cómo las sociedades occidentales están cada vez más insensibilizadas hacia todo aquello que no sea su propio bienestar (conseguido la mayoría de las veces a costa del "malestar" del resto).

Al mismo tiempo que en la civilizada Austria Benny disfruta de una vida con todas las comodidades (y con él todos nosotros), en muchos otros sitios, como el mísero Egipto que visitan la madre y su hijo cuando se van de viaje, malviven personas que están a la espera de morirse de hambre, de enfermedad o de cualquier otra cosa. La idea, bastante bien relacionada, viene a ser que si al fin y al cabo nos importa tres cojones que se muera un negrito en cualquier país de cuyo nombre apenas hemos oído hablar, no tendría por qué importarnos demasiado que se muera una persona cualquiera elegida al azar, aunque la estemos viendo con nuestros propios ojos y no durante un par de segundos en el telediario. Personalmente no nos afecta más que la desaparición del dichoso negrito (o sea, 0), y esa falta de relevancia hace que en la balanza ya pueda pesar más nuestra simple curiosidad por ver a alguien morir que los escrúpulos a la hora de ejecutar el crimen en sí. ¿Es lógico o no?

Así las cosas, el bueno de Benny decide pasar a la acción. Al principio parece como que no es algo premeditado, que solo seguía sus impulsos. Pero claro, en cuanto a la víctima le da por yacer en el suelo como un cerdo agonizante, no hay vuelta atrás y lo único que se puede hacer es acabar el trabajo lo antes posible. El resultado: dos de los minutos más impactantes que servidor se haya echado a la cara.

Es interesante el modo en que se recalca que Benny lo tiene todo y que su acto amoral es únicamente por diversión, porque este es el punto que siempre intentan pasar por alto (o incluso falsear) quienes tienen el trabajo de aborregarnos. Benny no es un loco, al menos no en el sentido habitual: es cualquiera de nosotros, cualquiera al que este mundo actual haya educado en la idea de que debe velar por sus propios intereses sin preocuparse de los demás. Benny es aquellos tres chicos de buena familia que sin motivo aparente quemaron viva a una vagabunda (¿sin motivo? ¡huevos! ...porque podían hacerlo...). Hasta ese extremo hemos llegado, o eso piensa Haneke (piensa él, y además hechos como el de la vagabunda asesinada parecen empeñados en darle la razón).

En fin, que eso está bien formulado en la película, pero a partir de ahí ya me parece que empieza a desbarrar pretendiendo dar, en su afán aleccionador, unas actitudes a los personajes que no se sostienen del todo. Primero la (excesiva) parsimonia del chico después de haberla matado, que es evidente que se recalca a propósito para reforzar el discurso de la película. Y segundo, y mucho más sangrante, el absurdo comportamiento de los padres, que ven como su hijo se ha convertido en un asesino y ni le echan una bronca. Vale que se puede sobreentender que todo el cabreo de los padres esté omitido por ser irrelevante y para saltar inmediatamente a lo importante (el hecho de que decidan ocultarle y protegerle por el mero hecho de ser su hijo), pero a mi ver ese es precisamente el problema. En su afán de resaltar el comportamiento hipócrita, irresponsable e inhumano de los padres, Haneke se salta una parte importante para la credibilidad de la película, y al omitirla está al mismo tiempo exagerando de un modo grosero ese comportamiento que decía antes. Pasan de ser unos personajes creíbles a unos personajes que han sido forzados a convertirse, por obra y gracia del director, en un mero vehículo de la filosofía que este pretende exponer.

Y es que a partir de ahí la película se resiente. También porque se le ha acabado ya lo más importante que tenía para contar (aunque queden un par de escenas interesantes acerca del disgusto reprimido que siente la madre para con el hijo), pero bueno.

En definitiva, la idea y el planteamiento de la película están muy bien, pero luego el desarrollo quizás entre en lo tendencioso. Y, por qué no decirlo, tampoco resulta ni la mitad de atractivo que el de otras pelis de Haneke verdaderamente apasionantes como puedan serlo Cache o Funny games.

Lo de siempre

2006-04-23T00:14:00.000+02:00

Gasset y Días de cine

2006-03-10T01:42:00.000+01:00

Una de las más falsas, estereotipadas y peores películas de las últimas décadas.
De largo el peor de los films que optaban al oscar.
La antítesis de lo que es incitar al pensamiento.
Activismo social de pacotilla y mensaje de galleta de la suerte.
Hace parecer sutil a Spike Lee.
Le va de maravilla a Hollywood para seguir tocándose el ombligo.

Noche de oscar

2006-03-05T20:25:00.000+01:00

Ocasionalmente me ha dado por pensar que varias de las nominadas a mejor película de este año eran más bien flojas, pero creo que antes había olvidado repasar un poco como habían estado de hecho estos premios en los últimos años.

Por ejemplo: de entrada yo me quedo con Brokeback mountain, que me parece no solo la mejor de las cinco candidatas (¿con diferencia?) sino también la favorita para ganar. Quitando ésa, solo veo verdadera competencia en Munich. Que no es mi película preferida ni mucho menos, pero hay que reconocer que sí es mucho más adulta de lo habitual en Spielberg (comentario este que se vuelve menos válido a cada año que pasa, por cierto), y que además está muy bien hecha. Una vez ha pasado un poco el meollo de la película se queda sin saber muy bien como terminar, pero lo anterior (sobretodo la parte en que van cepillándose a los árabes uno a uno) es a ratos exquisito. Y que tanto judíos, como árabes, como agitadores de la COPE, la hayan puesto a parir, es un mérito nada desdeñable.

Pero después...¿qué queda? Buenas noches y buena suerte, la politizada película de George Clooney que destaca sobretodo por su espíritu crítico, a mí me decepcionó. Ya iba un poco con la mosca detrás de la oreja después de aburrirme con su debut detrás de la cámara (y la verdad, eso de conseguir aburrirme con una película escrita por Charlie Kaufman es todo un hito de momento), y lo visto solo hizo que confirmar mi mal presentimiento. Se trata de un producto hecho con mucho esmero, que (se nota) estaba pensado para televisión, y posiblemente muy sobrevalorado en base a la clásica cantinela de que... es George Clooney, es una película de izquierdas, en blanco y negro, etc, etc. No me gusta nada adscribirme a los tópicos, pero en este caso tengo que soltar aquel de que cuando lo que se destaca de una peli es la fotografía es porque no hay nada mejor que destacar. Y a mí, los claroscuros de David Strathairn fumando me la traen floja, la verdad.
Luego es verdad que parece muy rigurosa, y que el retrato del protagonista acierta a ser lo bastante neutro, pero para mí también es demasiado frío. Es una película en la que ni nos cuentan las cosas que ocurrieron en aquella época (todo lo más un par de pesados parlamentos del McCarthy auténtico), ni nos cuentan una "historia" en el sentido habitual de la palabra, con personajes, sentimientos y demás. Solo el día a día de algunas de esas personas, y el "ambiente" que se viviría en ese momento. Que no es poco, ojo...pero (para mí) insuficiente como para llegar a donde ha llegado.

La siguiente en discordia es Crash, la película de Paul Haggis que parece querer recopilar lo menos bueno y lo más gratuito del peliculón cuyo guion firmaba ese mismo señor en la pasada edición (y que a la postre se llevó a casa los premios más importantes). Esta enésima repetición del tema de la insensibilización en las grandes ciudades vuelve a usar también a la gigantesca L.A. como idóneo conejillo de indias (tanto por la extensión, como por la diversidad de razas, el nivel de incomunicación, etc). Y es entretenida y divertida, sí, pero no duda en convertir a sus personajes en caricaturas (hasta extremos de hacer reír a los que veían la película, con eso de que todos y cada uno de ellos se comporten de manera racista justo en la escena siguiente a haber recibido ese mismo trato por parte de otro personaje...) ni tampoco en incluir las previsibles moralinas que posiblemente constituyan lo más burdo de todo el conjunto. El colmo ya lo pone pensar que las obras magnas de Robert Altman y Paul Thomas Anderson, obvios precentes (y muy muy superiores) de esta historia angelina, no llegaron siquiera a entrar en la pelea.

A Truman Capote la dejo al final porque no creo que merezca otro trato. Ejemplo clásico de película digna, y que se toma en muy en serio lo de no trivializar al personaje que describe (cosa que se cumple en muy pocos biopics) es sin embargo un producto frío, apagado, que apenas cuenta nada. Ni la vida de Capote, ni la historia de esos asesinos y las circunstancias que les llevaron a esa situación, ni lo que es el proceso de escribir un libro, ni nada. Paradójicamente, de todas esas cosas ya hablaba un poco la desordenada pero en realidad muy superior adaptación que hizo Richard Brooks en 1967 de la novela de Capote. Así que menos sentido aún le veo a esta película tan correcta y tan carente de alma, que parece tener como mayor motivo el lucimiento de Philip Seymour Hoffman (y por lo visto no de los otros actores, cuyos personajes aparecen y desaparecen de la película sin que a nadie le importe un comino).

Entonces, la pregunta después de tanto rollo es: ¿Está la cosa realmente peor que otros años?
Pues no. Seguramente no, porque al fin y al cabo las 5 películas tienen su aquel en algún sentido. Y candidatas de otros años como Gladiator, Erin Brockovich, Una mente maravillosa, Gosford park, Las horas, Chicago o Seabiscuit no es que se puedan pavonear frente a las más flojas de este año. Además, se puede considerar que los criterios de selección se están modernizando un poco después de todo, viendo que una de ellas está protagonizada por homosexuales, otra va de judíos y árabes, otra es muy crítica con el gobierno y la prensa estadounidenses...etc.

Johnny y June

Echando un poco la vista hacia atrás para ver qué películas se han quedado fuera, la más evidente que se me ocurre es En la cuerda floja, el biopic sobre Johnny Cash que ganó el globo de oro. Yo me alegro de que así haya sido, de que este año hayan rechazado directamente la enésima aplicación de "la fórmula"...y eso que la película (¿sorprendentemente?) me gustó. Es francamente entretenida y las subtramas con June Carter y con el padre de Johnny no están mal, pero aún así pienso que hay que exigir mucho más (y sobretodo más imaginación) a una película para darle un premio.

El Expediente X de los oscars de este año

Luego tenemos a Match point (¿cómo ha podido quedarse fuera la chica???), a King Kong (que no parecería descabellada en la categoría de mejor película de no ser por las recientes atrocidades cometidas a favor de los dichosos señores de los anillos), El jardinero fiel, que es un thriller notable pero nada más, y al que para colmo le sobra un montón todo ese aspecto visual "modernillo" tan a la moda, o Una historia de violencia, posiblemente demasiado ajena al "modelo" que se suele premiar en Hollywood.

Desgranando las categorías una por una, tengo que decir que en la de mejor actor yo me quedaba con Joaquin Phoenix y su Johnny Cash. Seguramente Philip Seymour Hoffman esté mejor, pero me molesta que al fin vaya a conseguir su reconocimiento por un papel sobreactuado. Y el otro que luce muy bien es Heath Ledger, todo un descubrimiento (porque no me parece que ese tío tengo la misma capacidad que los otros) pero que al fin y al cabo se ha beneficiado de interpretar un papel tan sobrio y tan adusto. Lo de David Strathairn...es un buen trabajo, pero lo veo ya mucho más cercano a la fiebre que se ha desatado con Buenas noches y buena suerte. Es peligroso confundir la sobriedad o el minimalismo con el simple no actuar. Al otro, al negro, no le he visto.

Felicity junto a su marido, uno de nuestros actores favoritos

En la de mejor actriz parece que parte de favorita Reese Weatherspoon, en otro papel muy bueno y muy propenso a premios "populares" como el globo de oro. Se beneficia de que su personaje es cómico ante el público y tiene que gesticular mucho, pero yo me quedo antes con la Felicity Huffman de Transamerica, en lo que es un auténtico papelón no solo para parecer un hombre (en lo que influyen mucho rasgos+maquillaje) si no para dar vida a todo lo que sufre su personaje.

Los otros dos de interpretación pintan complicados. En mejor actor de reparto los cinco candidatos son vírgenes, aunque varios mereciesen haber llegado ya antes. La competencia la reduzco a Matt Dillon y Jake Gyllenhaal, en tanto que las nominaciones de los otros tres me parecen una auténtica bufonada (a George Clooney por engordar, a William Hurt por gastarle una broma a los espectadores, y a Paul Giamatti en un absurdo intento de compensar agravios de otros años). Para mejor actriz de reparto solo he visto a tres, y me quedo con la (muy) natural Rachel Weisz de El jardinero fiel. Michelle Williams tampoco desentonaba en su película, pero se trata de clásico papel llorón, y Catherine Keener es una actriz estupenda que nunca ha ganado, pero en este caso todo lo que hace es pasearse por la pantalla.

La gran perjudicada por todo el asunto

Los de guion vuelven a ser los más difíciles. Si a Woody Allen le ignoran en todo lo demás, no parece lógico que vayan a concederle un oscar en esta categoría, y el resto son más o menos las demás nominadas. Yo escogería a Woodyl, pero lo veo muy chungo. En mejor guion adaptado sobra para empezar Una historia de violencia, y entre las demás supongo que debería ganar Brokeback mountain o incluso Munich.

Con la fotografía y la música ya nos metemos en berenjenales más raros, pero en la primera yo votaría por Brokeback mountain. Contra eso, el cristalino B/N de Buenas noches y buena suerte, y el preciosista aunque somnífero anuncio de colonia de dos horas de Terrence Malick. En mejor BSO apenas tengo por quien apostar, pero sé que últimamente suele ganar el exotismo. Un sexto oscar a John Williams sería excesivo, así que me inclino por un premio al mexicano Gustavo Santaolalla (aunque su trabajo no sea tampoco de los que hacen historia) o incluso al españolito.

De las películas animadas solo he visto La novia cadaver y no me gustó, pero por pura lógica (Miyazaki ya ha ganado un oscar, Tim Burton nunca), será la triunfadora.

En fin, como hace mucho que me he cansado, ahí va una porra con lo que creo que puede pasar:

Mejor película: Brokeback mountain
Mejor director: Ang Lee por Brokeback mountain
Mejor actor: Philip Seymour Hoffman por Truman Capote
Mejor actriz: Felicity Huffman Por Transamerica
Mejor actor secundario: Matt Dillon por Crash
Mejor actriz secundaria: Rachel Weisz por El jardinero fiel
Mejor guion original: Buenas noches y buena suerte
Mejor guion adaptado: Munich
Mejor fotografía: Buenas noches y buena suerte
Mejor montaje: Munich
Mejor banda sonora: Brokeback mountain

Variaciones más probables....pues Munich como mejor película, George Clooney como mejor director (Dios no lo quiera), Reese Weatherspoon mejor actriz, Jake Gyllenhaal mejor secundario, Crash o Brokeback mountain mejores guiones, El nuevo mundo o Brokeback mountain mejor fotografía...

Caché

2006-02-02T20:52:00.000+01:00

Caché es la primera película que veo de Michael Haneke.

En Caché, una familia recibe una cinta en la que se ve el portal de su casa grabado durante horas. Posteriormente, empieza a recibir cosas cada vez más preocupantes: llamadas anónimas, dibujos macabros, nuevas cintas que apuntan en una dirección determinada...alguien les espía y no saben lo que les va a ocurrir.

Caché es un thriller, y, igual que pasaba con Una historia de violencia, a la vez una excusa usada para tratar el rollo de siempre: que el mundo está podrido. Todos, incluso los más respetables, tienen cosas que ocultar. La mezquindad y la hipocresía están en la base misma de las personas, más incluso que las ganas de hacer las cosas bien. Cuando hay problemas la tranquilidad se convierte en miedo, la confianza en desconfianza, e incluso las familias aparentemente felices se resquebrajan como si tal cosa.

Lo curioso de Caché es que no solo es interesante por eso, si no que como película casi de terror es absolutamente angustiosa: te mantiene en tensión desde el primer al último minuto, y nunca mejor dicho en este caso. El motivo y la naturaleza misma de la amenaza son tan enigmáticos y se mantienen de un modo tan "poco espectacular" y a la vez tan cotidiano durante toda la película, que en cualquier escena aparentemente irrelevante, cotidiana, estás siempre esperando por lo que puede ocurrir en cualquier momento.

A partir de aquí, SPOILERS absolutamente contraproducentes si pensáis ir a ver la película:

El único inconveniente que tiene Caché es que si te la tomas tal como viene (sin interpretaciones "estrambóticas"), forzosamente vas a pensar que no llega a resolver el enigma que plantea. No solo eso, si no que te dará la sensación de que todo el misterio lo han usado de un modo un tanto tramposo para tenerte en vilo con algo que no es lo que cuenta la película en realidad.

Mi propia idea de la película es ésa, y a la vez un poco distinta. En la peli no se explicita quién es el que graba las cintas, pero...¿quién puede ser?

Haneke es quien las graba. Buscando motivaciones...¿a quién le interesa que se descubra el pasado del protagonista? ¿quién es el que busca enfrentarle a sus recuerdos y a su culpa? ¿quién podría guiarle, cual si fuese un "demiurgo" (como odio esta palabra) dentro del mundo ficticio que es la película, hasta la casa de la persona a la que fastidió cuando era pequeño?
...Nadie más que el propio Haneke. ¿Acaso no trata la película, (y es su verdadera motivación) de eso? De que todas las personas ocultan cosas, de la mezquindad, de la hipocresia, de la desconfianza... ¿Y no es verdad que nadie consigue ver al que graba aunque a veces lo tengan delate de sus narices?

Podría parecer que todo esto es lo mismo que decir que las cosas ocurren porque al guionista le salió de las narices, pero la diferencia sutil es que aquí Haneke se muestra en realidad como un personaje más de la película. O, dicho de otro modo, su función de ¿narrador? está tan integrada que es como si realmente fuese un personaje. Este fino hilo entre realidad y ficción (que se puede considerar genial, pretencioso, irrelevante o todo a la vez) también se deja ver en otros momentos de la película, como por ejemplo cuando juegan a confundirnos con las escenas que están en tiempo real y las que no lo están (grabaciones que ven a la vez los espectadores y los protagonistas de la película), rebobinando sobre lo que nosotros creíamos estaba ocurriendo en ese momento, y haciéndonos aún más partícipes del artificio.

De todas formas y a pesar de este punto en el que cojea un poco (mi interpretación sigue siendo eso, una interpretación), es una película fabulosa y arriesgada hasta el final, como en ese último plano que resume un poco el suspense de toda la película.

Los premios ONCE.

2006-01-31T15:41:00.000+01:00

IN-CRE-Í-BLE

Best Performance by an Actor in a Supporting Role

William Hurt for A History of Violence (2005)

La lista completa de nominados, aquí.

Brokeback Mountain

2006-01-21T20:11:00.000+01:00

Depende de qué sea exactamente lo que se vaya esperando, la verdad es que puede costar un poco adecuarse a lo que luego uno se encuentra en esta película. Aunque al final compense sobradamente.

A mí en particular se me hizo duro al principio tragar la forma en que está estructurada, quizás porque no llega a haber una progresión en la historia de amor de los dos tíos después de lo de Brokeback (son más bien trozos y trozos de sus vidas a lo largo de los años, hasta tal punto que si ahora mismo pienso en la película no soy capaz de ordenarlo todo cronológicamente), pero también es verdad que luego eso mismo contribuye a darle un aire distinto a la película. Algo más relacionado con el paso de tiempo, y además...más austero, si cabe, más "natural", y menos orquestado en torno a lo que sería la típica historia de "amor imposible en medio de una sociedad intransigente" con los típicos episodios de "se conocen"/"nace la pasión"/"son felices por un tiempo"/"alguien les descubre"... etc...orquestados para manejar tus sentimientos sin piedad.
O no sé. A lo mejor nada de esto tiene ningún sentido y si solo trato de justificar que la película no tenga un clímax "al uso"...

En fin, el caso es que la película es preciosa igualmente. Tanto el prólogo a lo Marlboro como el posterior relato de sus vidas, siempre impregnado de desencanto, como el final de la película...es una demostración de hasta donde puede dejar poso una película, y sin usar estridencias de ninguna clase. La forma en que los dos vaqueros se enrrollan, temerosos de lo que hacen y provocándoles ese temor pasar de la pasión a la violencia en una de las escenas... La insatisfacción de sus dos matrimonios, y especialmente de la sufrida Michelle Williams (que también está muy bien)... El modo en que Jack es humillado por su suegro en la cojonuda escena del partido de fútbol... El tacto con que están tratados sus encuentros sexuales... Las noches a solas en medio de la montaña... La sequedad de la llamada de teléfono cuyo contenido no puedo desvelar... La escena (de lo más brutal de toda la película) en que Ennis se enfrenta al dolor que le producen todos sus recuerdos en forma de una chaqueta vaquera... y así podríamos seguir eternamente.

Por cierto, uno de los puntos débiles que me ataca la película es...no exactamente el uso (y abuso) del paisajismo, que puede ser más o menos forzado, sino la iluminación concreta que tienen esas escenas. Muy natural, muy oscura, apagada...y que crea así una sensación de intimidad mucho mayor. Es curioso ver hasta que punto se nota la influencia de otro tipo de sensibilidad en la pantalla, como es en este caso la de los latinoamericanos Rodrigo Prieto y Gustavo Santaolalla, autores de la fotografía y la música respectivamente (y que ya contribuían con su genial creación de ambiente a una película como 21 gramos, otra de las que te ahoga con su ambiente irrespirable)

Los dos actores están muy bien, y el que mejor, sorpresivamente para mí, Heath Ledger, aunque un doblaje un poco raro le haga en este caso algo de daño. Como todas, habrá que revisarla en versión original a ver, aunque sospecho que ambos van a tener más éxito en los oscars del que han tenido en los Globos de oro. Y también creo que lo tendrá la propia película, por mucho del tema polémico y todos esos rollos. Una historia tan bonita y que derrumba de esta forma toda la mitología masculina del western...no se ve todos los días.

En fin, un 10.

Why we fight

2006-01-18T01:32:00.000+01:00

No aparece en ninguna lista con lo más esperado del 2006, pero este viernes se estrena en los EEUU la última película de Eugene Jarecki, hermano de quien dirigiese el cojonudo y la vez delirante documental Capturing the Friedmans.

El producto en cuestión se llama Why we fight (supongo que en referencia a las películas de propaganda de la WWII), y aunque de momento solo he visto el trailer, supongo que seguirá el camino de los pseudodocumentales políticos que se están poniendo tan de moda últimamente y casi convirtiendo en el nuevo género aportado por el siglo XXI.

El antecedente de su hermano, la cara de Rumsfeld en el poster, el discurso de despedida de Eisenhower como resumen y reclamo publicitario...puede ser auténtica trilita.

Listas

2005-12-31T22:10:00.000+01:00

Ahora que se estila eso tan arbitrario y a la vez tan entretenido de hacer listas con lo mejor del año, lo aprovecho como excusa para practicarle a este blog la que bien podría ser una de sus últimas transfusiones de urgencia antes de entrar en un estado irreversiblemente terminal.

Ea. Éstas son las películas:

11. La guerra de los mundos.

Últimamente, el cine de acción dedica casi todos sus esfuerzos a dejar boquiabierto al espectador, y sin embargo lo único que suele conseguir es marear, aburrir, o ambas cosas a la vez. No es el caso de la última peli de Spielberg, que en su primera hora enlaza directamente con la locomotora de los Lumiere y (casi sin argumento) construye un crescendo realmente espectacular. Las claves: que el ritmo frenético no esté reñido con la posibilidad de entender lo que se ve (ahí una palmadadita para Spielberg) y que toda la historia esté en primera persona, de modo que casi estés siempre pensando en qué habrías hecho tú en el lugar del protagonista.
Luego, desde el momento en que aparece Tim Robbins la peli se queda en casi nada, pero...bueno.

10. Querida Wendy.

La "rara" del grupo. Curioso porque es una de esas películas cuyos alabadores te inspiran bastante desconfianza, lo que sin embargo no es obstáculo para que te guste. Inclasificable, marciana...tan absurda como pueda serlo un pequeño pueblo minero estadounidense construido en mitad de Dinamarca. La película que se puede interpretar de cien maneras distintas (algunas verdaderamente extravagantes) sin que, por fortuna, importe demasiado. Como leí por alguna parte, la poesía se impone al mensaje, algo de lo que responsabilizo más al Thomas Vinterberg que a Lars Von Trier.

9. King Kong.

Por saber hacer, al margen de sus excesos que no son pocos, una película de aventuras como es debido. Una introducción divertida y que además de presentar a los personajes en formato de comedia prepara el ambiente para todo lo que viene después (el climax de este estirado prólogo es la estupenda secuencia en la niebla), unas escenas de acción a todo trapo, ausencia de cierta pomposidad que tocaba mucho las narices en la trilogía de los anillos, y un leit motiv al que se le sabe sacar la emotividad, sobretodo en ese angustioso y precioso desenlace en el Empire State en el que cada larga toma aérea refuerza la sensación de muerte anunciada del mono.

8. Life aquatic.

En tiempos de tan claro mercantilismo hollywoodiense y tan poca originalidad se agradece que alguien te ofrezca en sus películas algo completamente diferente, y en este caso al menos tan incatalogable como pudiera serlo la número 10 (que ya es decir, vaya).
La eterna crisis existencial de unos personajes (entre ellos el interpretado por Bill Murray, que ya debe considerar este tipo de papeles como suyos por derecho propio) entre el surrealismo más disparatado y la melancolía más entrañable, todo ello sazonado con el humor absurdo de Wes Anderson.
Una peli muy difícil de describir, realmente, pero hay que verla.

7. Match point.

Con una película tan "culta" y con tanta referencia a veces es fácil perderse en algunos puntos, pero en todo caso lo que cualquier persona puede obtener del último proyecto de Woody Allen es un soberbio retrato de personajes. Complejos, densos...representan los prototipos de un arribista y una mujer fatal, pero sin caer apenas en ninguna simplificación. Siempre personas reales.
La primera hora y pico de película es, por desgracia, algo pesada. El resto (la última media hora) resulta más dinámico y mucho más sintético, aunque por el camino pierde parte del rigor conseguido previamente, sobretodo al introducir los temas del crimen, el castigo, etc.

6. Entre copas.

No niego que un aire algo pretencioso sobrevuele toda la película, pero prefiero recortarle sus aspiraciones y considerarla simple y llanamente como una comedia más, con el agravante de que se disfruta como pocas en los últimos años. Tiene la inteligencia suficiente como para saber contar la historia dramática y melancólica de su protagonista sin complicarla ni simplificarla demasiado, y además combinándola siempre con ingentes dosis de humor. El final, ni feliz ni infeliz ni todo lo contrario (un poco a lo Wilder) termina de redondear el producto.
Es decir: una película más "mainstream" de lo que suele pensarse, pero muy disfrutable en cualquier caso.

5. El ocaso del samurái.

Kurosawa (o John Ford directamente, por qué no) regresa a las pantallas en esta historia netamente crepuscular de un samurái al que no solo se le ha terminado su modo de ganarse la vida, si no también su estilo de vida al completo: su "tiempo", como se suele decir. Lo que realmente hace doloroso este retrato no es tanto ver al samurái tener que deslomarse para a duras penas mantener a sus hijas y a su madre enferma como el hecho de que a esa situación haya llegado (y en ella se mantenga) sencillamente por ser un hombre honesto y honorable, cualidades que están desapareciendo de su mundo porque no son compatibles con los nuevos tiempos. Estilo realista, austero y lleno de sensibiidad para una película magnífica.

4. Hierro 3.

La propuesta más rupturista, atrevida y sobretodo desconcertante de un Kim Ki-Duk que en este caso va más allá del desbordante (y gratuito) esteticismo que ofrecía en la espectacular Primavera, verano...etc, etc. Entre los dos protagonistas dicen seis palabras en 95 minutos y (aunque hay algún momento argumentalmente muy forzado), la verdad es que hasta sobran. La cámara se basta y se sobra para transmitir perfectamente lo que piensan ambos en cada momento, culminando en un final que une realidad y fantasía como pocas veces se ha visto por estos lares.

3. Nadie sabe.

En la línea de los dramas japoneses, la película destaca fundamentalmente por huir no ya de la alarmante sensiblería que suele inundar los dramas que nos llegan del otro lado del atlántico, si no de cualquier énfasis en la expresión de un sentimiento o de una emoción. Es un cine equilibrado, sobrio, capaz de contar la tragedia más terrible sin salirse de su natural elegancia. Auténtica poesía con un punto terrorífico para, ésta sí, una de las mejores películas del año.

2. Million dollar baby.

La verdad es que no soy lo que se dice el mayor fan de esta película, por mucho que me guste. Como ya se ha comentado otras veces, creo que la primera parte es un relato algo convencional pero casi perfecto del mundo de las doce cuerdas, plagado de personajes soberbiamente descritos e interpretados (la chica que necesita encontrar algo en su vida, el hombre de vuelta de todo que necesita superar sus miedos y su sentimiento de culpa, etc). La segunda ya trata de ser un poco más original, pero la verdad es que a la vez también acaba resultando algo forzada, y descompensada con respecto a la primera. Con todo, sus estupendos mimbres y su incontestable oficio la convierten en una de las dos o tres mejores películas de Eastwood.

1. Una historia de violencia.

En pocas películas he encontrado un equilibrio artístico semejante al de esta última. A base de elementos acartonados (el argumento, o por ejemplo todos los personajes de los gangsters y los actores que los interpretan) pero sin sumergirse realmente en el surrealismo o en el sinsentido, lo curioso de esta película es que me sigue pareciendo que el significado de lo que ocurre es fundamentalmente alegórico, y está expresado con una sutileza incomparable.
La cosa va del germen de la violencia...en una comunidad apacible, en una familia. Pero es que no es una violencia que se limite a surgir sin más, si no que de hecho es como si se materializase en esa rocambolesca historia de mafiosos y venganzas. La niña que al principio sueña con "monstruos" y a la que su padre le contesta que éstos no existen...de hecho ve como ese señor deja de ser su padre y toma una identidad distinta, que es la de uno de esos "monstruos". Inteligente, divertida y pasmosamente estructurada y filmada, vamos a decir que la mejor película de 2005.

La novia cadaver

2005-11-13T04:31:00.000+01:00

Tim Burton prosigue su particular vuelo sin motor hacia el duro suelo con su última película, La novia cadaver. La verdad es que uno ya se temía lo peor viendo el trailer, pero bueno, siempre quedaba la duda de si iba a ser así de boba o si solo sería la mera estrategia comercial de destacar los momentos más bobos.

Pues no. La película, sin poder considerarse un truño, es floja. Algo a lo que se está acostumbrando el amigo, y que te hace dudar entre si sencillamente se le habrán acabado las ideas o si será más bien una cuestión de hacer las películas a desgana. La novia cadaver parece una de esas películas que saben qué quieren pero no cómo conseguirlo, y por eso hay tantas escenas de supuesto clímax pero sin una base debidamente construida por debajo y que sirviese para que realmente actuasen como climax de algo, y no solo como un pegote más o menos bonito.

En ese sentido, entrar a desglosar la película es casi deprimente. El acabado, siendo lo mejor, solo mola por la estética gótica habitual de Tim Burton, a la que en esta ocasión le queda bien ese color pálido y triston de la tierra de los vivos. Casi todos los personajes son desde el principio de una simpleza apabullante (especial mención a los pretendidamente chistosos villanos/padres de Victoria), sin excluir a un Victor que, aunque tenga algo más de personalidad y trate de parecer el típico protagonista burtoniano, freak e incomprendido, a todo lo que llega es a ser una imagen superficial del aspecto físico que se le supone al personaje (en este caso el de Johnny Deep... ¿otra forma más de no arriesgar espectadores?).

El argumento es muy simple, y así se desarrolla a lo largo de la película. Victor y Victoria tienen que casarse por acuerdo paterno, y cuando se conocen resultan ser almas gemelas (en comparación con el resto de las personas de su mundo), como muestra la hábil escena en la que ella le ve tocar el piano. Pero como Victor está nervioso y es un desastre con los votos, se va al bosque a practicarlos, casándose accidentalmente con una chica que había enterrada por allí en medio y quedando casi secuestrado por ésta.

La verdad es que la cosa no funciona mal hasta el momento en que hay que mezclar y retorcer los pocos elementos que había hasta ese momento (o sea, cuando Victor baja al mundo de los muertos), porque lo que es a partir de ahí, la peli es un desastre. El hecho de que apenas haya un par de apuntes sobre los personajes provoca que no te importe la separación de Victor y Victoria, ni la trágica historia de la novia cadaver, ni el hecho de que una de las dos vaya a tener que quedarse sola al final, ni nada de nada. Pero de todas formas lo peor no es eso, la historia de amor (que aún se aguantaría), si no lo que la rodea. Un guion desordenado y absurdo, un incesante reguero de chistes malos y unos, a falta de una palabra mejor, lamentables números musicales (en los que para más inri hay momentos calcados de Pesadilla antes de Navidad) son elementos que irritan al espectador cada cual más que el anterior. Y al final, lo de siempre: la mejor escena de la película es la que menos obsesionada parece estar con la idea de ser un clímax emocional. Nada de subidas de volumen, lunas de dos metros o haces de luz que iluminan la pantalla. Solo un chico, una chica, y un piano. Nada más.

Octubre

2005-10-26T16:00:00.000+02:00

Bridget Hall. Las fotos justifican su aparición en este blog. ¿Que si es actriz? Bueno, tiene ficha en la IMDB...

A history of violence

2005-10-23T01:40:00.000+02:00

Aquí va la última y estupenda película de David Cronenberg. Una película que cuesta comentar, porque es tan incatalogable como impredecible, tan natural como surrealista. A pesar de que muchos han dicho que es la "menos Cronenberg" (incluyendo él mismo), yo creo tiene ese tono de las historias suyas que descubren un mundo siniestro o enfermo bajo la clásica capa de tranquilidad. Y aunque la fantasía no es tan evidente como otras veces, también me parece que está ahí, agazapada, por ejemplo en el modo casi alegórico en que se describe a los malos. Malos (la pareja de ladrones, en concreto) que en la primera escena son presentados directamente como monstruos por la niña, haciendo un reflejo de la vida apacible, idílica y ajena a la violencia que lleva la inconsciente familia, y por extensión toda la comunidad. El padre sigue la misma tónica y le contesta en ese diálogo aparentemente trivial que los monstruos no existen...aunque el devenir de la película le vaya a llevar la contraria, obviamente.

Los monstruos no solo existen, sino que no han de ser necesariamente esa presencia maléfica y amenazadora, casi surrealista (¿alguien ha pensado en David Lynch?) que son primero los ladrones y luego los aparatosos gangsters. Los "monstruos" pueden estar latentes en el propio protagonista, y en realidad en cualquiera de los personajes. La violencia parece existir en todo: Existe en los instintos, como muestra esa segunda escena de sexo ( simétrica respecto de la primera) en la que violencia y deseo son sinónimos (algo parecido a lo que pasaba en Crash) y el acto constituye casi una violación. Existe en las personas, como les ocurre a varios personajes de la película que acaban desatando esa especie de demonio interior del que hablaba David Cronenberg (Viggo Mortensen lo tiene de hecho materializado en otra identidad). Y por narices existe en la propia naturaleza humana (no quiero caer en el topicazo del dichoso sueño americano), parece decir esta especie de rara fábula.

Una película de las que uno espera babeando y al final no decepcionan. Y que por cierto vale la pena ver en cine por lo contemplativa (que no esteticista) que es, y lo bien filmada que está. Ahora, a esperar la siguiente.

Lilja 4-ever

2005-10-13T18:48:00.000+02:00

Una chica ha de quedarse sola en su casa de Estonia porque su madre ha emigrado a los EEUU y después renunciado a su paternidad. Primero su tía la convence para irse a otro piso más pequeño (y bastante más miserable) y abandonar el de sus padres, que luego ocupa ella sin decirle nada. Luego (por culpa de una amiga suya) se desata el rumor de que se ha prostituido, lo que dará lugar a que sus supuestos amigos masculinos la acosen a partir de entonces, llegando a violarla en una escena posterior. Por último conoce a un chico aparentemente bienintencionado del que se enamora y que parece poner fin a todas sus desgracias proponiéndole irse a Suecia a vivir con él...aunque lo que la espera allí es por supuesto esclavitud y más prostitución...

Con semejante resumen parece quedar claro que Lukas Moodysson está lejos del tópico de cineasta sueco complejo y cerebral, y se trata más bien de un tío que hace (bastante bien) historias emotivas y cercanas al público. Lilja 4-ever, la película que describe el primer párrafo, tiene de bueno que a pesar de su desvatadora crueldad no llega a los extremos paroxísticos de terrorismo emocional vistos en otras películas como John Q, Cinderella man o incluso Hotel Ruanda. Se permite incluso sutilezas (en su primera mitad, sobretodo), aunque luego sea de las que te va castigando las costillas y soltando directos al hígado sin ningún tipo de piedad, hasta el momento en que caes K.O. e incluso agradecido por que todo haya acabado y poder besar la lona de una vez.

En fin, una película quizás algo obvia a veces, como digo, pero muy bonita, y cuyo momento más triste ocurre cuando se termina y piensas todo eso de que es un documento necesario, obligado, imprescindible...etc, generalmente para sentirte un poco más concienciado y solidario después de verla y poder afrontar el resto del tiempo en que no haces nada por los demás con la conciencia más tranquila.

Dos avances

2005-10-09T00:25:00.000+02:00

Elizabethtown, lo último de Cameron Crowe, da la impresión de ser la película que siempre hace (o querría hacer) ese tío. Irrupción del amor en una vida gris, nostalgia, canciones, sentimentalismo, autodescubrimiento interior...Le iría bien renovarse un poco, la verdad. Y también ser menos ombliguista, cosa que demostraba ser en aquel libro de entrevistas "a la Truffaut" que le hizo a Wilder, y en el que (aparte de estructurar bastante mal) se centraba casi más en la persona que en su obra, autoinsertándose a sí mismo cada dos por tres para adoptar el papel de amigo de toda la vida de Billy Wilder.
De todas formas, lo que me ha llamado instantáneamente la atención es hasta que punto (tanto en el argumento como estéticamente, por las imágenes que he visto) asemeja ser una especie de revisión mainstream de Algo que contar, de Zach Braff. Habrá que ver.

La otra peli que quiero mencionar es Capote. Después de verle en papeles más o menos secundarios en películas como Boogie nights, Magnolia, Happiness, El gran Lebowski, State and main, El talento de Mr. Ripley, Casi famosos, Punch-Drunk Love, La última noche o Cold mountain, puede que éste sea el primer gran papel protagonista que le cae a Philip Seymour Hoffman, para mí uno de los actores más brillantes y camaleónicos de los últimos años. Bien por él.

El deporte de las doce cuerdas

2005-10-05T00:20:00.000+02:00

Si uno se para a pensarlo, es bastante difícil entender por qué hay tan poco (y sobretodo tan malo) cine deportivo. Viviendo en España acabas pensando que cómo es posible que después de tantos años no se haya hecho una sola peli realmente buena sobre fútbol, y lo mismo, extensible a otros países, pasa más o menos con el baloncesto, el tenis, el golf, el hockey, la hípica, la natación, el atletismo, el ajedrez...Sí que puede haber alguna película aislada, pero en general muy poquita cosa. Visto así, cualquiera diría que los deportes resultan aburridos en la gran pantalla.

Obviamente, y como cualquiera tiene que haber pensado desde el principio, solo hay un deporte acerca del cual se han hecho tradicionalmente muchas y grandes películas, y no es otro que el boxeo. Hay varias razones que puedan explicar esto:

- Es un deporte individual.

- Es muy vistoso en la pantalla.

- Hay una relación bastante cercana entre el púgil y el entrenador, con tendencia a oponer el tópico del tío novato y que se quiere comer el mundo al tópico del viejo de vuelta de todo. También la puede haber con el promotor, cuyo tópico correspondiente sería el de cuasi-mafioso sin escrúpulos que quiere enriquecerse a costa de otros.

- La confrontación entre los deportistas tiene poco de simbólico y bastante de obvio, con el agravante de que es muy fácil hacer terrorismo emocional (lo típico de que el boxeador rival juegue sucio, pegue bajo, sea un hijo de puta...o sencillamente se pase la primera mitad de la pelea machacándole la cara al bueno...).

- Suele ir asociado a dinero y éxito social, por lo que queda bien para hacer metáforas de la vida. Tanto si son historias de superación personal (Rocky, Million dollar baby), como si son otras en las que quien asciende no lo hace realmente a través del esfuerzo, o no está preparado para salir de su mundo "barriobajero" y por tanto (por cualquiera de las dos anteriores) es propenso a caer rápidamente (Toro salvaje).

- Igual que al dinero se suele asociar a mafias y chanchullos, de modo que también puede usarse para historias sobre la amoralidad de los que controlan el cotarro (Más dura será la caída) o de los propios púgiles (Cuerpo y alma).

- Etc.

Creo que si tuviera que elegir una película que gire en torno al deporte de las doce cuerdas, en mi caso sería la ya citada Más dura será la caída, último trabajo del gran Humphrey Bogart.
¿Cuáles elegiríais vosotros?

Le procès

2005-10-02T22:59:00.000+02:00

Franz Kafka + Orson Welles + Tomaso Albinoni + Anthony Perkins.

Con semejante antecedente, uno casi se espera la mejor película de la historia, que no...
Al final no lo es, pero la verdad es que pese a sus (¿obligadas?) incoherencias y a que le cuesta mantener el ritmo, me parece una auténtica obra de arte.

Lo que me sorprende es ver hasta que punto ignoro todo lo que se refiere a vuestro tribunal. Para un acusado es una falta grave... Nunca debe dejarse sorprender, nunca debe dejar que su mirada vague hacia la izquierda mientras existe la posibilidad de que un esbirro cualquiera esté agazapado solapadamente a la derecha...¡nunca!

Regreso a los 80

2005-09-25T08:34:00.000+02:00

Creo que Regreso al futuro se merece tener alguna mención aquí.
Lo primero, que no me suelen gustar las películas dirigidas a adolescentes (y no es que ésta sea una teen movie, pero desde luego tiene cierto tono), no me suelen gustar las películas supertaquilleras, y no me suelen gustar las películas norteamericanas de los 80. Y Regreso al futuro es todo eso y sin embargo me lo paso pipa con ella.
Lo segundo, que muchas teen movies (o cosas "parecidas") suelen asociarse a una determinada edad. Se me suele replicar, cuando pongo a parir a John Hughes o a películas tan populares como Los goonies, que las he visto por primera vez ya con la edad que tengo ahora, y que por eso no han podido causarme el mismo impacto. Lo curioso con Regreso al futuro es que la había visto siendo yo muy pequeño, y no tenía un recuerdo especial de ella. La he vuelto a ver anteayer (de hecho me he tragado de una sentada las dos primeras partes de la trilogía enteras y la tercera a trozos) y me ha gustado mucho más que cuando era pequeño, lo que parece dejar bien claro que cuando una película está bien hecha, la edad con que la ves importa menos.
Lo tercero, que es la típica película que puedes ver cien veces sin cansarte, y digo mal lo de "típica" porque ojalá algo así fuera lo normal en vez de la excepción.

Regreso al futuro me gusta ya desde ese principio que homenajea a La máquina del tiempo y que, un poco a lo Hitchcock (recordemos que Robert Zemeckis ya fusila sin éxito al magister en Lo que la verdad esconde), trata de introducir toda la situación en un solo plano-secuencia. Los relojes, el titular de periódico sobre Emmett y su casa, los objetos que hablan de él (fotos de científicos, inventos varios, la comida del perro...) y por último la entrada del propio Marty con su monopatín. A esas alturas ya te has dado cuenta de que por lo menos es una película resuelta con oficio.
Lo que sigue no es tan académico, pero para ser un auténtico hit ochentero está de todos modos muy bien hecho. El primer tic claro de teen movie aparece justo después cuando Marty dice lo de "¡Llego tarde al colegio!" y, dada por terminada la introducción, empieza a sonar "The power of love" mientras él se va en monopatín. Incluso a mí me moló, no digo más.

Creo que lo fundamental a destacar de la película es su estupendo guion. Es verdad que no soporta ningún análisis sobre las paradojas (tampoco hay otras películas sobre viajes en el tiempo que lo hagan, aunque es verdad que en ésta se nota mucho), pero creo que eso es lo de menos. Es un guion original, divertido, bien estructurado (me gusta lo rápido que se introduce todo, la claridad con que se presentan los conflictos, la manera en que se entrelaza todo para hacerlo encajar) y que sabe sacarle partido a cada escena. Al margen de algunos aspectos más complejos que no se llegan a explotar (las paradojas, la relación de Marty con sus propia madre, etc) , ésta es una de esas películas hechas de forma más o menos convencional, previsible...pero de modo que cada cosa esté justo donde debe estar para que funcione, ayudado todo por una realización bastante efectiva y por una banda sonora muy chula.
Los personajes ya son más simplones (aunque a mí Doc me parece realmente entrañable), pero ahí ayuda bastante el trabajo de un reparto bastante solvente (Michael J. Fox, que yo no recordaba que fuese un buen actor cómico, Christopher Lloyd, que será inmortal con este papel, Crispin Glover, Lea Thompson, Thomas F. Wilson...). Y además es divertido ver cómo varios de ellos afrontan sus distintas edades, aunque este juego será más rico en la segunda parte.

Luego, con las secuelas, pasa un poco lo de siempre. Si eres un fan te diviertes con ellas (y yo me divertí con la segunda), pero en realidad no eran necesarias. No parece que sea casualidad el hecho de que Robert Zemeckis solo firme el guion de la primera, porque la verdad es que las otras no tienen (aparte por supuesto de su frescura) la misma concisión.
A la segunda sí que le veo un pase, porque es más compleja y engarzando los distintos hilos temporales llega a hacer verdadero encaje de bolillos, cosa a la que sí se saca bastante jugo. Pero de todos modos, aunque se sigue con interés, su argumento, personajes y situaciones ya son a veces tan estrafalarios que pierdes totalmente la suspensión de incredulidad.
La tercera ya es completamente disparatada, y ni me hace ninguna coña lo del Oeste, ni parece que le queden ideas por explotar (lo de la novia de Doc es realmente patético). Yo hubiera preferido que se hiciese solo la segunda parte, y ésta ya resolviese el argumento del todo.

En fin, un auténtico bombazo en taquilla, y para los pocos que hay que realmente molan, lo justo es reconocerlo.

September's

2005-09-14T23:11:00.000+02:00

Natasha. Modelo y actriz nacida en Canada (quién lo diría) el 15 de agosto de 1974.
Sobran las palabras.

Test

2005-09-13T01:46:00.000+02:00

Bueno, aquí va un test sobre quién dirigiría "la película de tu vida". El problema que le veo yo es que bastantes preguntas son muy extremas (haber cometido crímenes graves, verse envuelto en luchas, abandonar tu lugar y modo de vida por otra persona...), y creo que a casi cualquier persona de mi edad le debería dar unos resultados por lo menos similares.
En fin, el caso es que me ha respondido tal que así:

Sofia Coppola

Your film will be 55% romantic, 29% comedy, 26% complex plot, and a $ 34 million budget.

Relatively inexperienced (The Virgin Suicides, Lost In Translation) as a director, but already highly respected and connected -- her dad, Francis, directed all The Godfather movies, Apocolypse Now. Also, at last word she's dating Quentin Tarantino, so I'm sure he'll have some input into the substance of your film. Sofia's good at making the romantic drama that is your life. Who didn't have at least a lump in the throat at the end of Lost In Translation? She's already won one Academy Award for her writing, now she'll be the first woman to receive one for directing -- YOUR FILM!

Pulsa AQUI para que te hagan a ti la chorrada.

La película que pudo haber sido

2005-09-06T05:43:00.000+02:00

No sé si será que le empiezo a coger el gustillo al cine de terror (o a la turbiedad en general), pero me llama la atención que mi primer pensamiento tras ver Ultimátum a la tierra haya sido lo estupenda película de terror que podría haber sido.

El caso es que hay otros clásicos "alienígenas" de la época que sí tiran más hacia el miedo, la paranoia, etc (el mejor ejemplo sigue siendo La invasión de los ladrones de cuerpos), pero esta película, a pesar de apuntar maneras en ese sentido nunca termina de...materializarlas, digamos. Por eso siempre que se habla de ella se sacan los mismos temas: el retrato del protagonista alienígena, el mensaje supuestamente antibelicista, el melotrón... Mas, personalmente, lo que más me ha gustado han sido los momentos en que enlaza con esa especie de cine negro/de terror de los 40 en el que la escenografía es tan elegante y el peligro casi siempre está fuera de campo...

La verdad es que la idea daba muchas posibilidades, siempre que se mirase desde una óptica un poco diferente. Casi todo el tiempo hay una atmósfera inquietante, de amenaza solapada, pero se difumina por el hecho de que desde el principio parece muy previsible que el extraterrestre va a ser bueno. Cómo hubiera cambiado la película si por ejemplo la historia la introdujese el niño, de modo que no supiesemos si ese extraño hombre que aparece en el hostal en medio de la noche es o no malvado (que detalle, por cierto, pasar del plano de los inquilinos escuchando las amenazas sobre el extraterrestre fugado al plano del hombre de pie, quieto y en total oscuridad). Cómo hubiera cambiado si no estuviese clara la frontera entre lo que es real y lo que el niño imagina... (tendríamos ahí una pequeña versión, quizá menos poética pero más consistente, de La noche del cazador).

El nuevo inquilino

Hay muchos momentos, tanto argumentales como visuales, que hubieran ganado mucho con un poco de ambigüedad. Otro ejemplo es toda la secuencia en la que el niño le sigue hasta su nave (que empieza con otro detallazo: el niño al asomarse desde su puerta ve por pura casualidad la silueta del alien sobre la pared, con lo que deduce que la luz de su habitación si que funcionaba y por tanto éste le había mentido por alguna razón desconocida). O la escena del ascensor, con el discurso amenazador del alien ante la chica (que todavía no sabe si éste es bueno o malo) y que se cierra sin resolverse (pero sugiriendo una vez más perfectamente la amenaza, con la cara del alien sumida en las sombras)...

La silueta en la pared

En el ascensor

Son muchos, muchos detalles, de una manera determinada de hacer cine. Y mira por donde, resulta que Robert Wise, el director de esta Ultimátum a la tierra, debutó con una producción de Val Lewton, La venganza de la mujer pantera, secuela obviamente de la admirable La mujer pantera de Jacques Tourneur. ¿Casualidad?
Las casualidades no existen...

Sus ocho años de gloria (y La conversación)

2005-09-02T02:45:00.000+02:00

El famoso picado que abre la película

La conversación es, en palabras del propio Coppola, su película favorita de entre las que ha realizado. En esos años andaba el tío en pleno apogeo creativo, y lo demostraba con descaro plantando una obra maestra detrás de otra (El padrino, La conversación, El padrino. Segunda parte y Apocalypse now se estrenaron en un intervalo de solo ocho años...ahí es nada).

Lo llamativo es que, frente a unos padrinos que surgieron de guiones fastuosos acerca de grandes tragedias y sagas familiares, frente a una Apocalypse now que es todo un derroche de presupuesto, medios y pretensiones...frente, en definitiva, a la artificiosidad de la que le han acusado muchos, La conversación resulta ser en comparación una película mucho más breve, humilde, sencilla. Una lección de planificación para una obra en la que se muestra todo con una concisión increíble, en la que tras más de 100 minutos uno puede decir sin ruborizarse que no sobra ni medio plano.

La conversación es también una película en la que acaba importando más el retrato del personaje principal que la resolución del argumento (sin que ello signifique ningún demérito en ese aspecto, porque como thriller también es estupenda y de hecho el desarrollo de la película mantiene el suspense de principio a fin). Pero el caso es que la trama, al fin y al cabo, deviene en mera excusa argumental para poder hacer un ejercicio de introspección, de exploración en la complejidad humana. Y no solo acerca de la paranoia, que es el aspecto que más recurrentemente se saca a colación al hablar de esta obra maestra, si no de muchas otras cosas: la culpa, la obsesión, la soledad, el miedo...un verdadero muestrario cinematográfico, y esto es cada vez menos habitual, de que las personas son algo más que blanco o negro. Aquí es donde se nota la raza de guionista del Coppola, y no por nada entre 1970 y 1974 recibió el tío cuatro nominaciones al oscar al mejor guion (de los que se llevó a casa tres).

El dibujo del protagonista se hace además de un modo sutil, natural, a veces elíptico, y siempre sobre escenas más o menos cotidianas. La discusión con la casera que fue capaz de entrar en su casa, el momento (genial) en que está improvisando jazz con una grabación y al llegar en ésta la parte de los aplausos se queda mirando al vacio, como sin saber que hacer (lo que pone de manifiesto que el no está participando realmente), el celo con que guarda su inmitidad, el teléfono que niega tener y esconde en un cajón, la manera en que elucubra el desenlace...

Una película, en definitiva, en la que resulta irrelevante cuánto se conozca del argumento. Como si es su conclusión...porque eso no es lo más importante. Hay que verla de todos modos. Y por cierto, antes de hacerlo suponía que el título sería anecdótico, pero realmente toda la película gira en torno a una única conversación, de la que al principio solo se tienen algunos trozos, que después se ordenan adquiriendo un sentido para el protagonista, y que más tarde (sin cambiar ninguna palabra) se reinterpretan con otro sentido totalmente distinto, un hecho bien indicativo de la influencia que tiene la propia mente en la percepción de cualquiera de las cosas de la vida.

Los genes no engañan...

2005-08-31T06:06:00.000+02:00

Aunque este mes no haya posteado nada de nada, no puedo dejarlo pasar sin colocar a la chica correspondiente. Y qué mejor que un auténtico pedigrí ucraniano...

Con ustedes, Мила Наташа Джовович.

Charlie y la fábrica de chocolate

2005-08-25T22:20:00.000+02:00

Charlie y la fábrica de chocolate es otra muestra más de cómo el cine de Tim Burton, a pesar de haberse hecho famoso por su vertiente imaginativa y fantasiosa, suele estar asentado sobre el aspecto humano, el emotivo, y que en ese sentido funciona como pocos al menos cuando no se le exige excesiva profundidad (como en los cuentos, vaya).

Da que pensar, por ejemplo, el hecho de que en una película supuestamente focalizada en un lugar maravilloso y lleno de prodigios, casi todo lo mejor sea lo que ocurre antes de que entren en ese lugar. Por lo menos para mí, la parte más lucida es la que transcurre exactamente entre las primera y tercera chocolatinas que abre Charlie, y el relato bastante entrañable que se hace de él, su familia...sus abuelos (sobretodo), y la ilusión que genera el dichoso billete dorado. Es más: incluso en cuestiones visuales y de ambientación (una de las razones principales para elegir a este director, supongo), creo que lo mejor y con diferencia es la casucha miserable en la que vive Charlie.

En el momento en que se abren las puertas de la fábrica, hay que ceder protagonismo a otros personajes con menos encanto (el resto de los niños y acompañantes) y a uno con más potencial pero que es bastante más difícil de manejar, Willy Wonka. Por eso suelo pensar que hay tantas y tantas películas en las que lo mejor es el principio, cuando los que hacen la película aún no han tenido tiempo de fastidiarla.

En fin, lo que viene a partir de ahí se ciñe a lo que cuenta el libro. Las escenas en las que van cayendo uno por uno, etc... El añadido más significativo es que se relata el pasado de Willy Wonka, y la verdad es que de una forma bastante acertada, incluso en ese final acelerado (pero visualmente estimulante) en el que visitan a su padre en el trozo de edificio que había desaparecido. Por contra, lo peor serán las desastrosas escenas musicales, una especie de broma dedicada a los ¿niños? que nos saca del halo que pudiera tener la historia y nos hace mucho más conscientes de estar viendo una película.

Si tuviera que valorarla en conjunto...diría que no es nada que uno no se espere de Tim Burton a estas alturas. El punto de inflexión que se marcó con Ed Wood sigue vigente, y su cine desde entonces ha sido bastante más flojo. Con la coletilla, quizás, de que sus últimos trabajos buscan un poco más la senda original, pero desde una óptica superficial que enseguida huele a precocinado, a prefabricado...amén de a más comercial. Tal vez solo sea que cuando vi Ed Wood, Pesadilla antes de Navidad, Eduardo Manostijeras o Vincent yo era más pequeño. Pero lo dudo.

Una por década

2005-08-24T13:48:00.000+02:00

Como no me apetece escribir, más frases. Una por cada década, desde la de los 30 hasta la actual, aunque desordenadas:

1.

Raymond Shaw es el hombre más sincero, noble, valiente y maravilloso que he conocido en toda mi vida.

2.

Solo por ti, Charlie.

3.

Di el nombre del asesino en La noche de Halloween.

4.

El viejo muere, la niña vive.

5.

Sueño con usted cada noche...y estoy enamorado de usted.

6.

¿Te tocas? Sabes que San Luis llora cuando te tocas...

7.

Si me necesitas, silba.

8.

¿Puedes ver ahora?

L'être et le néant

2005-08-24T00:50:00.000+02:00

L'être est, et le néant n'est pas.

Cerrado por vacaciones

2005-07-30T05:05:00.000+02:00

Breves: Luces de la ciudad

2005-07-24T03:00:00.000+02:00

Vamos a aprovechar que acabo de descubrir que el BSPlayer permite hacer capturas, y voy a plantar algunas de Luces de la ciudad.

Me suelo quejar ante los finales sensibleros, pero la verdad es que a veces yo mismo no puedo evitar caer rendido ante la pantalla. El final de esta película es uno de esos tan emotivos y tan bonitos que no puedes evitar el nudo en la garganta cada vez que lo ves. Uno de esos finales de los que al verlo se dice que hombres grandes y fuertes como rocas lloraron como niñas, vamos.

Para el que no lo haya visto, la idea es que Charlot se ha pasado toda la peli tratando de ayudar a una florista ciega, hasta el extremo de arreglárselas (y lo digo así porque por un malentendido ella cree que él es millonario) para pagarle una milagrosa operación de la vista. Después de muchas desventuras, se la encuentra otra vez y se queda mirándola fijamente, sin decir nada. Al final, por razones que no vienen al caso, ella le coge la mano y en su tacto reconoce a esa persona que tanto la había ayudado y a la que nunca había visto.

Sobre cómo está hecho, la verdad es que no hay mucho que decir. Es un momento que juega con el suspense...o más bien con la tensión creada durante la película, y que más que desarrollarse con palabras lo hace visualmente y también musicalmente. El primer gran acierto es para mí poner a Chaplin del otro lado del cristal, de modo que esté justificado que se quede absolutamente embobado durante medio minuto sin verse obligado a decir nada. Así resalta todavía más su reacción contra la actitud normal de la florista (que sigue hablando y actuando normalmente, puesto que no sabe que ése es su benefactor), y nos da una idea de la fuerza del sentimiento de Charlot. Además, se nos muestra perfectamente que en lo que piensa no es en reunirse con ella, si no que sencillamente está feliz de ver que se ha curado (pues en ningún momento le revela su identidad hasta que ella se lo pregunta, y de hecho trata de huir cuando se acerca a él...tal vez por miedo a su reacción, al fin y al cabo la chica espera encontrar a un millonario). Así se insiste otra vez en el carácter puro y desinteresado de su amor.
También me encanta el uso de la música, puesto que a veces tan efectivo es introducirla como suprimirla. En el momento crucial en que ella le reconoce, cesa la música y al cabo de unos segundos, mientras empezamos a ver su reacción, suena una mucho más triste y más intensa que la anterior.
Y por último, adoro también la última imagen, cerrando la película con ese fundido en negro de la sonrisa de Chaplin. La prueba, otra vez, de que hay quien transmite las cosas sin palabras tan bien o mejor que sin ellas.

Post basura

2005-07-22T04:20:00.000+02:00

Recaudación en España del 15 al 17 de julio:

1. Los 4 Fantásticos (Fox) 711.487 espectadores
2. La guerra de los mundos (UIP) 235.984 espectadores
3. La casa de cera (Warner) 98.640 espectadores
4. Madagascar (UIP) 98.637 espectadores
5. Semen, una historia de amor (DeAPlaneta) 90.023 espectadores
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¿Cómo era aquello de que el pueblo tiene el gobierno que se merece?
Si ésta es la demanda, aún me extraña que el cine español sea "tan" bueno.

En fin, lo que quería era hacer mención a una película que me tocó ver en el tren: Me llaman radio. Básicamente trata de un chaval que vive en un pueblo. Un chico negro, pero que por si fuera poco también es retardado. Así que, de negro en retrasado y tiro por que me toca, ya tenemos delante uno de esos horrendos subproductos de ¿superación personal? ¿rechazo social? ...más bien un montón de escenas en las que todos le aplauden cada vez que hace "algo" (y digo "algo" porque ser más tonto que negro tampoco me parece de un mérito descomunal). En fin, uno de los títulos más nauseabundos, inaguantables, pastelosos, ridículos e idiotizantes que han salido últimamente del otro lado del atlántico...pero ésa no es la cuestión. Ojo al cartel de la peli:

Bueno...¿Algo que llame la atención? ¿algo...raro? ¿...nada...?

A ver que tal esto: la frase promocional es "La valentía de un hombre les hizo campeones". Y el caso es que, ni por asomo, en esta peli se gana ninguna competición deportiva de ninguna clase.
No se trata ya de quién lo escribió, si no de quién no se dio cuenta. ¿Nadie fue capaz de ver esta bazofia entera antes de poner la frasecita?
Francamente, si eso fuera lo ocurrido, no me extrañaría nada.

Años 70

2005-07-11T18:39:00.000+02:00

Bueno, en viendo que me voy por unos días a la capital del reino, os obsequio como último post con mi votación para Miradas de cine. La cosa es que cada año tratan de elegir las mejores películas de una década, y esta vez han tocado los 70. Hay que seleccionar 15 obras (no ordenadas), más (opcionalmente) otras 5 en la categoría de sobrevaloradas. Tal documento ha de ser enviado a la dirección de correo electrónico "votaciones70s@miradas.net" antes del 15 de julio de este año de nuestro señor.

En fin. Una tontería, pero divertida. Éstas son las que envío yo:

Johnny cogió su fusil
La naranja mecánica
El padrino
La huella
El padrino, segunda parte
Barry Lyndon
El hombre que pudo reinar
Tiburón
Taxi driver
Annie Hall
La guerra de las galaxias
El cazador
Alien, el octavo pasajero
Apocalypse now
La vida de Brian

Wikipedia: definición de western

2005-07-05T19:09:00.000+02:00

Me ha dado por hacer una aportación a la Wikipedia, vaya a usted a saber por qué, así que a falta de algo mejor cuelgo aquí el texto que he puesto..con el añadido de alguna que otra foto.
De todos modos, al final del post coloco el enlace a la página correspondiente de Wikipedia, por si os apetece a vosotros meter algo nuevo, o incluso empezar directamente por destrozar lo que acabo de escribir.
Agua va:

El western está considerado uno de los géneros cinematográficos fundamentales, sobretodo en el contexto del cine clásico y del cine estadounidense. En ocasiones se ha argumentado que es el único género originario del séptimo arte, puesto que el resto en mayor o menor medida ya existían en la literatura.

La palabra "western", originariamente un adjetivo derivado de "west" y cuyo significado es "relativo al oeste", se sustantivó para hacer referencia a las obras (fundamentalmente cinematográficas, aunque también existen en la literatura) que estuviesen ambientadas en el antiguo oeste americano. En castellano, "western" es un anglicismo, y no existe ninguna otra voz para hacer referencia al concepto que representa, por lo que habitualmente se usa la expresión "película del oeste".

Así pues, en principio una película se incluiría en este género simplemente por estar situada su acción en un contexto determinado: la exploración y el desarrollo del territorio occidental de Estados Unidos durante el siglo XIX. Sin embargo, con el tiempo las características de dicho contexto histórico se fueron extendiendo a los personajes de esas historias, condicionando su modo de vida y definiendo su idiosincrasia. Al estar las películas muchas veces ambientadas en territorios inexplorados o indómitos bajo la amenaza latente del ataque de los indios, o en ciudades sin ley en las que los bandidos campaban a sus anchas, el género se fue enfocando hacia la confrontación de los diversos personajes, adquiriendo un carácter cada vez más psicológico. Lo habitual es también que algunos de esos personajes representasen el bien sin ambages, aquella gente que viajaba esperanzada a esas tierras con la utopía de forjar un hogar y vivir en paz, y otros representasen por el contrario el lado malvado, aquellos que se aprovechaban de los indefensos para hacer su propia vida más fácil. Es por toda esta serie de temas fundamentales y rasgos comunes que no se considera necesario que una película esté ambientada en el oeste americano para poder calificarla de western, aunque ello pueda ser siempre una apreciación algo “sui generis”.

Se considera que la época dorada (y clásica) del western corresponde fundamentalmente al cine estadounidense de los años 50 y anteriores. Posteriormente, y coincidiendo con una sensación progresiva de perdida de interés por parte del público, se fueron desarrollando nuevas vertientes, a veces dentro del conjunto de los directores más clásicos (por ejemplo el western crepuscular, que suele hablar con nostalgia y romanticismo sobre el fin de esa época, contraponiéndola casi siempre a la llegada de una civilización personificada en la locomotora) y otras veces “desde fuera”, ya fuese desde otros países (Italia: el spaghetti western, que se centraba en el aspecto más elegíaco y autoparódico) o desde la visión de una generación más joven, que introdujo nuevos elementos en el género.

Pese a todo, el número de películas de este tipo ha ido descendiendo desde entonces, y al menos de momento no parece que haya signos de recuperación en un futuro próximo.

Definición de western

La regla -ova nunca falla

2005-07-02T01:14:00.000+02:00

Este mes, un cuarteto. Pestova, Varekova, Kurkova y Slernikova.

Pim, Pam, Bumm, Zasss...

2005-06-30T23:27:00.001+02:00

Es decir, lo que debe ser el cine de evasión.

Francamente, no esperaba una película que hiciese pensar sobre la existencia de vida en el espacio exterior, sobre la posibilidad de que la humanidad se extinga, sobre las relaciones humanas en situaciones límite o sobre, mísmamente, las familias rotas. Solo esperaba un entretenimiento vacío. Uno de esos para cuyo disfrute te sientas en una butaca y durante dos horas alguien consigue engañar a los intrincados mecanismos de tu cerebro para que te entretengas como un niño con una piruleta. Luego, al salir, puedes pensar que la película tiene muchos fallos, algunos garrafales (salidas argumentales rebuscadas, cuando no directamente ridículas), que no cuenta nada nuevo, que no sabe describir a los personajes, que no sabe desarrollar un drama ni en la situación más dramática posible... Pero la cuestión es que sencillamente por haber visto a unos cuantos tíos huir de un montón de peligros (de manera muy hábil, eso sí, y con el escalonamiento necesario para que la trama te atrape y no pierda la suspensión de incredulidad), ha resultado una ser una experiencia trepidante y absolutamente entretenida (mucho mejor en la primera hora que en la segunda, todo hay que decirlo).

Así que sí. Parafraseando la expresión que aparece en este blog un poco más a la derecha, La guerra de los mundos es un puro artificio inane.
Pero...¿importa? A mí, no.

La trilogía del apartamento

2005-06-27T01:09:00.000+02:00

Cuando se habla de las mejores trilogías, normalmente se autoencorseta uno en la creencia de que no se pueden citar películas que no lleven los números 1, 2 y 3 detrás. Así la discusión termina siendo aburrida, puesto que solo pueden salir las tres o cuatro de siempre. Sin embargo, hay películas en la historia del cine que tienen una gran convergencia (sobretodo temática) y que yo no dudaría en catalogar de trilogías, como voy a hacer a continuación.

Repulsión es una gran obra de Polanski, deudora en cierto modo de películas como Psicosis, aunque influyente también en buena parte del cine que se ha hecho después. Es una película que tarda mucho en arrancar, debido fundamentalmente al contraste que se pretende lograr entre la calma inicial (por la música, el montaje, la Deneuve, la filmación de las escenas en la calle...me parecía por momentos estar asistiendo a una peli de la Nouvelle vague) y el desarrollo del horror posterior. Una estrategia que por cierto usaba también Audition, por ejemplo, aunque de un modo si cabe más pronunciado.

Lo mejor de toda la cinta es la forma en que nos introduce la locura de la Deneuve. Empieza (y acaba, con esa foto que subraya el trastorno de la protagonista) de un modo básicamente sutil, mostrándonos lo extraño de su comportamiento visto desde el contexto del mundo real (como por ejemplo la relación que tiene con el resto de las personas, su frigidez, su mirada perdida en el infinito...), y pasa después a introducirnos en su propia óptica, y es entonces cuando vemos el mundo tan distorsionado como lo ve ella. Incluso esta parte es bastante progresiva, de todos modos, y empieza con detalles sutiles como un ruido extraño, una sombra bajo una puerta, o una (¿metafórica?) grieta en la pared, para ir pasando a cosas más explícitas, si bien la película mantiene siempre esa tensión que la convierte en una experiencia verdaderamente desasosegante (le entra a uno la risa cuando oye eso de que la película más inquietante de la historia es La noche del cazador).

A pesar de estar rodada hace 40 años, también hay que destacar que le saca un gran partido a toda la onírica última parte, usando verdaderamente la imaginación (y la sabiduría) para crear una puesta en escena enormemente dinámica (los ángulos, las imágenes distorsionadas, los movimientos de cámara, los sonidos, las apariciones repentinas, la oscuridad que siempre acecha...). Y me atrevería a decir que además con resultados muy por encima de los que suelen conseguir muchas de las películas de terror actuales.

Repulsión es con toda seguridad una de las mejores películas de Polanski, perteneciente a eso que a veces se ha dado en llamar la "trilogía del apartamento" (La semilla del diablo, El quimérico inquilino y Repulsión). Y es curioso, pero verdaderamente creo que lo mejor de su filmografía ha estado en cierto modo relacionado con ese tema: personajes encerrados en un escenario (generalmente un apartamento) en el que de algún modo se manifiestan sus obsesiones. Sirvan de ejemplo el desarrollo del trastorno esquizoide de la Deneuve en esta misma película, el terror de Mia Farrow al criar a su hijo rodeada de lo que ella cree es una comunidad vecinal satánica en La semilla del diablo, la locura (divertida) del propio Polanski en la insigne El quimérico inquilino, o, en un sentido distinto (pero teniendo en cuenta que fue casi lo que más me gustó de la película), la sensación de aislamiento absoluto que experimenta Adrien Brody cuando está confinado en ese minúsculo apartamento desde cuya ventana observa el mundo exterior en El pianista.

Sesión doble: Danny the dog y Batman begins

2005-06-25T04:19:00.000+02:00

Aprovechando un pequeño parón, comento las dos últimas películas que he visto, precisamente hoy mismo (eso ha sido aprovechando que me gusta mucho ir al cine).

La primera, Danny the dog, era una película de la que supe por primera vez durante mis habituales viajes en el Expreso de Oriente. La cosa es que de primer plato ibamos a ver Kung fu sión, pero la película de Stephen Chow había sido relegada a las 5 y media de la tarde, así que teníamos que jugárnosla con alguna otra. Me miré lo que decían de ésta en los sitios habituales de cine en la red, y fuimos a verla no muy convencidos.

El resultado, para mí, ha sido bastante aceptable. Danny the dog es una película que se corresponde más o menos con el patrón que sigue la acción francesa (comercial) actual, o al menos con el que sería deseable. Un correcto producto palomitero que ofrece dosis de acción con un estilo moderno y francés, y no carente de emotividad servida al peso.

Lo primero es algo que se agradece, la verdad. Cansados como estamos de tantas películas con escenas de acción en las que no te enteras de nada, ver a Jet Li pegando saltos de un lado a otro al servicio de unas buenas coreografías es algo que puede considerarse todo un lujo. Los largos rosarios de tortas se hacen bastante entretenidos, y yo creo que con eso se dice todo.
Lo segundo es bastante más discutible. El estilo recargado y ultramodernista de la película puede saturar un poco, pero la verdad es que a mí ni siquiera me ha desagradado mucho. A una película de tono tan fantasioso y comiquero (en su tema) como ésta le puede venir bien que en la pantalla también haya exageración (por ejemplo en los movimientos de cámara, o en cada aparición del histriónico Bob Hoskins, que está a caballo entre lo que sería un malo requetemalísimo y un personaje ridículo que te haga reír cada vez que le ves), y esto probablemente tampoco será problema para aquellos que sepan lo que van a ver.
Lo tercero, la emotividad, es quizás el punto en el que más se nota la mano de Luc Besson. A mí me agrada en el sentido de que le da el interés justo a la película para que sea así de entretenida, aunque es verdad que por momentos es demasiado meliflua. Y también es verdad que es bastante tramposa en el sentido de que primero es muy agradable y feliz a propósito del prota para luego volverse muy cruel y que nos sintamos tensos...pero bueno, se le puede perdonar.
En relación también a lo de la emotividad, por cierto, decir que la película recuerda en varios momentos a Leon, sobretodo al final.

En fin, este Danny the dog fue el aperitivo para ir abriendo boca antes del que sería sin duda el plato fuerte, para mi gusto una película inmensa dentro del que es su género, y que en líneas generales me ha encantado: Batman begins.

Para empezar, situémonos diciendo que no me gusta ninguna película de Batman, al menos de las que recuerdo. No me gusta el personaje, nunca me lo habían explicado (tan) bien, y tampoco el género de superhéroes es mi favorito. Pero sí me gusta Chris Nolan, y la primera parte de esta película (quitando los 10/15 minutos iniciales) es verdaderamente un estudio psicológico en toda regla, al estilo de lo que viéramos en Memento o Insomnio.

Así de sencillo. Es Batman bien explicado, basándose en un guion sólido e interesante y sobretodo en una definición de los personajes compleja, inteligente y precisa, que consigue hacernos creer en la historia como si fuese real y a la vez elevarla a la categoría de mito según avanza el metraje (no solo a Batman, si no a la propia ciudad, que por cómo se la describe podría encajar tanto en un contexto real como en la ciencia ficción de tipo distópico).

Lo que nos da Nolan, amigos, es (aparte de talento) introspección psicológica de la buena. Para que entendamos totalmente el lado humano del personaje y su evolución, y eso no solo sea lo mejor de la película con diferencia si no que haga mucho más interesante también lo que viene después. Del Batman como ciudadano normal y corriente, carente de épica, confundido al principio, indeciso después, con problemas de identidad, que intenta discernir entre el bien y el mal sin ser capaz, chapucero en sus inicios como justiciero...llegamos progresivamente al Batman como héroe y símbolo del final, sin que de todos modos se haya perdido la verosimilitud. Un buen ejemplo de esta definición de personajes de la que hablo se puede ver en lo poco maniqueo de cada retrato. Ni los malos son malos por placer, ni Batman es un bendito (al principio de la película el camino de aprendizaje que sigue es claramente fascistoide), ni los secundarios son en absoluto planos (a esto ayuda bastante el gran reparto...), etc.

Además, y por si esto no fuera suficiente, el propio "mimo cinematográfico" con el que está contada toda la historia es verdaderamente remarcable (joder, es que no hay ni color entre un Christopher Nolan y un Joel Schumacher, pero eso ya lo sabíamos de antemano...). Esto es así tanto en el "drama humano" acerca de los padres como en la estupenda escena iniciática de los murciélagos, las relaciones entre los personajes, la ausencia de imágenes grandilocuentes puestas porque sí, el modo progresivo pero sutil en que se oscurece la atmósfera, la coherencia que mantiene un guion que parece sacado de una buena película de cine negro, los guiños autorreferenciales (como el de Arkham asylum o el del Joker)...

Luego baja un poco el nivel cuando empieza lo que es la acción a granel, pero incluso aquí hay serias diferencias con el habitual producto hollywoodiense. Por ejemplo en lo bien usada (y creada) que está la simbología del personaje, apartado en el que me gustaría destacar que si bien las escenas de acción muchas veces son rápidas y confusas, en general cumplen con una idea importante, y es hacer que Batman parezca de verdad invisible. En las peleas...él pelea, valga la redundancia, pero sus enémigos no le ven, no saben donde está, y siempre que aparece es por décimas de segundo, para dar golpes certeros, sin que le vea normalmente más de uno a la vez...y creo que ésa es una idea acertada, y más apropiada que un estilo de lucha que pudiese desmitificar la imagen espectral que precisamente pretende que sus enemigos tengan de él. También la sólida base argumental de esta última parte es importante para que resulte interesante, o los detalles visuales que surgen con el alucinógeno (los del espantapájaros y el propio Batman convertido en monstruo son buenos, aparte de que me encanta la primera escena en la que Batman sobrevuela la isla y los enajenados le ven desde abajo...).

En fin, que una gozada, vaya. Ni La venganza de los Sith, ni zarandajas. Ésta es de momento la película palomitera del año, y eso por calificarla de palomitera, que la comparación con según qué cosas puede ofender. Francamente, si se le quitasen en general las apariciones de Katie Holmes (que aporta la mayor parte de los tópicos a la película), y en algunos momentos el desarrollo fuese menos atropellado, podríamos estar hablando de una de las películas de 2005.

Personajes invisibles 2

2005-06-20T21:57:00.000+02:00

Bueno. Normalmente no presto atención a las estadísticas (mentira, soy un muerto de hambre), pero me he fijado en que en los últimos dos días el numero de visitas a este vuestro humilde blog se ha triplicado.

Así que, como sigo teniendo fotos de éstas, vuelvo a insistir con otro juego. Las especificaciones son las de siempre, ordenadas por dificultad, etc. Los fotogramas vuelven a formar parte de los que el juego me dijo que había acertado (porque, entre otras cosas, a ver si no cómo se confirma si una respuesta está bien o mal). Y, sin más preámbulos, ahí va:

Nota: Todas son muy famosas...salvo la número 10. Para el que estuviere interesado en tratar de resolver las que queden con ayuda de pistas, dentro de 24 horas exactas pondré la ayudita de rigor si ha quedado alguna por resolver. Esto que estoy diciendo va destinado a los que no ojean los comments para no ver lo que han contestado los demás.

Y más todavía...

2005-06-20T03:13:00.000+02:00

Bueno, vamos allá otra vez. Esto vuelven a ser fotos, solo que en vez de llevar un careto, el rostro de los actores está directamente borrado.
En el original la dificultad era bastante alta (en la media hora que lo he tenido delante apenas he acertado la mitad de los que aparecen), pero todos los que voy a poner aquí forman parte de los que sí he averiguado. Procuro que los fotogramas sean un poco representativos de la película, porque si no la verdad es que a veces es imposible.

Otra vez, están ordenados por dificultad. La numeración es exactamente igual a la del juego anterior, de izquierda a derecha y de arriba a abajo. Esta vez creo que hay algunas bastante fáciles (aprovechad, la próxima vez no seré tan magnánimo), pero a ver si alguien consigue resolver por fin la número 10... :p

Más juegos...

2005-06-18T21:50:00.000+02:00

Y esta vez, con fotos.

Si el anterior se basaba un poco más en razonar, en éste el proceso de acertar es más bien subconsciente. Lo verdaderamente curioso de esto, para mí, es cómo detalles aparentemente insignificantes de las películas se nos pueden quedar grabados, cosas tan sutiles como el corte de un traje o la forma de un encuadre.

En fin. Los fotogramas van desde lo absolutamente evidente, que basta haber visto la película para darse cuenta, a lo rebuscadillo. Yo diría que hay...una imagen realmente difícil (que yo no fui capaz de acertar sin mirar la solución), quizá dos. El resto deberían ser más o menos reconocibles para cinéfilos irredentos como vosotros (y prácticamente todas provienen de películas...de lo celebérrimo para arriba). Vuelvo a colocarlas y a numerarlas por lo que yo entiendo es más o menos un orden de dificultad creciente. Es decir (y para que no nos hagamos un lío):

1 2
3 4
5 6
7 8
9 10

Citas

2005-06-18T02:24:00.000+02:00

Voy a caer en la moda esa de proponer citas de películas a modo de acertijo (por cierto, hay una pagína muy buena con un montón de "juegos" cinéfilos en archivos con formato excel, no recuerdo el nombre...)

Todas las frases pertenecen a películas incluidas en mi deuvedeteca. La lista está hecha según el que yo considero un orden de dificultad creciente:

1.

A- Para mí, ser gangster era muchísimo mejor que ser presidente de los Estados Unidos.

2.

A - Se refiere al pato, supongo.
B - Al duque.
A- He dicho pato.

3.

A- ¿Está usted bien?
B - Eh... estoy bien.
A - ¿Seguro? ¿Y su rodilla?

4.

A - ¿Qué es? ¿Qué es? Hay luces de color...

5.

A - ¿Puedes pasar por árabe, en una ciudad árabe?
B - Sí. Si me presta ropa sucia uno de vosotros.

6.

A - ¿Tú ibas a ocuparte de esto? No eres más que un bocazas...échalo a la cuneta...

7.

A - Nadie en esta ciudad ha visto esta película.

8.

A- Fui concebido en el Riviera. No en el hotel Riviera, sino en el modelo fabricado en Detroit.

9.

A- ¿Cuál es el Burdeos?

10.

A - ¿Qué estás buscando? ¿Cómo es tu tipo perfecto?
(...)
B - ...Es bueno, sensible, educado...y no se avergüenza si llora delante de mí.
A - Estamos hablando de un hombre, ¿verdad?

La semilla del diablo

2005-06-16T12:32:00.000+02:00

Encerrado como estoy por culpa de los exámenes (es decir, la excusa perfecta para que un inadaptado como yo pueda enclaustrarse sin suscitar demasiados comentarios de los transeúntes), resulta que me estoy tragando, día sí, día también, cantidades de cine absolutamente indigestas. Entre que no me apetece mucho estudiar, y que tengo a la mula echando humo literalmente, estoy videando todos los días tantas (y a veces tan buenas) películas, que seguramente se me van a terminar por atrofiar las retinas. Lo cierto es que en un menú compuesto por obras generalmente de tanto calibre, a poco que una película no sea una obra maestra casi te acaba pareciendo una mierda ya...

En fin, las últimas semanas serían fáciles de resumir con una simple lista de títulos: La tormenta de hielo, Criaturas celestiales, El dulce porvenir, El club de los cinco, El bueno el feo y el malo, No matarás, Golpe en la pequeña China, Sonatine, Maridos y mujeres, La semilla del diablo, Uno rojo: división de choque, No amarás, Crash, La isla, Adiós muchachos, Moscú no cree en las lágrimas, Videodrome, Léolo, El hombre que pudo reinar...

Pero quizás la que más me ha gustado de esta larga lista es la que vi ayer mismo: La semilla del diablo.

Reticente como soy al cine de terror, la verdad es que me sorprendió mucho encontrarme con una película tan por encima de lo que la rodea. A caballo entre el clasicismo de los 60 y de la ola que llegaría con la nueva generación de los 70, Polanski rodó una película que, sin ser excesivamente personal (no las he visto aún, pero tengo la impresión de que Repulsión y El quimérico inquilino serán mucho más "autorales"), funcionaba como un reloj y además daba toda una lección acerca de cómo rodar una cinta de terror basándose en el guion, en la atmósfera y en la puesta en escena, y no en los efectos especiales o en las subidas de volumen.

Hay muchas cosas que se podrían decir de La semilla del diablo. Que es de las pioneras en cuestión de abordar el mal como algo interno en lugar de como una amenaza externa, que por ello mismo también es pionera en buscar lo aterrador dentro de lo cotidiano, que es tan verosímil y tan creíble que supongó que marcó a la gente de la época (algo así como Tiburón), que la historia que rodea a su filmación es casi tan siniestra como el propio argumento de la película...muchas cosas en definitiva, pero pocas tan contundentes como su capacidad para sugerir sin llegar a mostrar.

Yo creo que la palabra clave para describir esta obra maestra es sugerente. Es una película de la que, verdaderamente, sales creyendo que has visto lo que en la pantalla no se ha visto. El tratamiento es tan subjetivo, tan sutil, tan sugerente desde el principio, tan (progresivamente) enrarecido, que la película logra un poder de sugestión fuera de lo común. Hoy día un argumento así se centraría en reventar al espectador a sustos (y de hecho por eso mismo habrá quien diga que esta película no termina de "arrancar"), pero sin duda las características de La semilla del diablo tal como es la hacen mucho más perdurable...y más inolvidable. Lo que ves es relativamente natural, creíble, pero siempre tiene un cierto punto siniestro, surreal...de "algo" que se sugiere pero nunca se llega a hacer explícito (a veces es la misma cámara quien lo sugiere, haciendo un uso ejemplar de sus propios movimientos, del fuera de campo, de los distintos ritmos narrativos,de las escenas oníricas incluso...), y eso es lo que dota a la película de un suspense insoportable casi hasta el final.

Me encanta ya el comienzo, con ese armario "tapiado" que es una especie de secreto oculto, de advertencia, de "aquí hay más de lo que parece". En ese mismo momento ya me estaba gustando la película, y desde ahí hasta el final...fue un amor a primera vista.

La nueva chica del mes

2005-06-14T19:41:00.000+02:00

A falta de tiempo para postear, voy sacando a esta nueva chica del mes.
En otro tipo de consideraciones no lo sé, pero desde luego ella sería un digno plato fuerte para los sueños más lúbricos de cualquiera. Puro morbo, una auténtica planta carnivora. De esas cuya sola evocación mental debería considerarse obscenidad. Pecado mortal sin posibilidad de redención ni mediante pago en especias (aunque estén recién salidos/as de la guardería) a Benedicto.

Rebecca Romijn, amigos.

¿Presidente de qué?

2005-06-13T22:26:00.000+02:00

Una de las escenas fundamentales para definir a Snake Plissken (para mí el mejor antihéroe de Carpenter con diferencia) estuvo a punto de ser cortada por motivos cercanos a la censura, y de hecho no sé si en la versión original estadounidense salía o no. En la escena veíamos al personaje de pantalones de camuflaje, cazadora raída y parche en el ojo recorrer un callejón angosto y ver cómo un maleante trataba de violar a una chica. Él, en vez de hacer algo para ayudarla, pasaba de largo, sencillamente porque el asunto no iba con él.

Evidentemente la escena subraya que, esta vez sí, tenemos delante a un protagonista que sólo se preocupa de sí mismo, y no a uno de esos sucedáneos tan habituales en Hollywood del tipo "qué duro soy" pero que al final siempre acaban cayendo en la corrección política y comportándose del modo más blandengue.

Pero no es la única escena con esa lectura que contiene la película: en casi todas en las que sale el presidente, Plissken demuestra que no hace nada por filantropía. En un mundo salvaje y hostil, él solo se preocupa de sobrevivir. Sin carecer de un código de honor propio, pero que desde luego no viene impuesto por los jerarcas hipócritas que le gobiernan. La escena del final, por ejemplo, es elocuente: Plissken, sabiendo que del éxito de su misión depende la estabilidad política mundial, "se la juega" al presidente. La lectura más inmediata lo que nos dice es que se ha vengado del modo en que a él le han tratado, pero yo creo que no es solo eso. La cuestión verdaderamente relevante es que a él, una vez más, se la traen floja los jueguecitos políticos de las altas esferas...lo cual define a su personaje, y a la vez (opino yo), pretende ridículizar el tejemaneje político en general. La lectura que se extrae de su comportamiento es que haga lo que haga él (o el resto de los ciudadanos), no se va a ver afectado por lo que decidan los de arriba (o en todo caso será para mal, puesto que éstos nunca van a trabajar por el pueblo). Así pues, que les den, y para qué preocuparse...

¿Cuántos directores (americanos, de cine relativamente comercial, etc) tienen huevos para acabar una película así?

Pues esa es para mí una de las razones fundamentales por las que ha sido encumbrado Capenter: su honestidad, su fidelidad a sí mismo a lo largo del tiempo. Las otras razones hablarían ya de una supuesta maestría (cosa que yo solo apoyo en parte) y, mucho más pragmáticamente, de que de hecho tampoco hay muchos más cineastas afincados en el territorio del cine fantástico. Pero, al menos en ocasiones, Carpenter ha ofrecido buenas películas y buenos personajes como este Snake Plissken.

Mi frase favorita suya, por cierto, es ésa en la que un buitre como solo podría ser Lee Van Cleef le pide su colaboración, porque el avión del presidente se ha estrellado en Manhattan. Snake, como muestra de desprecio pero sobretodo como reflejo de que esa persona no tiene ninguna importancia ni influencia sobre él, le contesta con gesto indiferente: President of what?

Abajo los teletubbies!

2005-06-11T07:10:00.000+02:00

Creo que era el bueno de Holden Caulfield, en El guardían entre el centeno, el que decía que odiaba el cine porque imbuía a la gente de falsas esperanzas. Yo voy a apropiarme de su frase, aunque restringiéndola a las comedias románticas.

Las comedias románticas "al uso" constituyen un género que me cae gordo. Principalmente por dos razones: En primer lugar, creo que meten a las personas en una especie de mundo teletubbie, de cuento de hadas, en el que existen las medias naranjas y las relaciones creadas por el destino (y perfectas, claro). Y hacen creer a la gente que hallar esa especie de conjunción mística no solo es posible si no incluso probable. Y en segundo lugar, precisamente, por dar la imagen de que el amor consiste en eso, en encontrar a la persona perfecta absolutamente diseñada para ser a cada instante como y lo que nosotros queramos en cada aspecto de nuestras vidas. Un amor simplificado (y en mi opinión inmaduro), eminentemente platónico, que si bien puede ser bonito, suele conducir a que si la otra persona no corresponde con la imagen idealizada que se desea, se opte por no conocerla realmente y tratar de engañarse a uno mismo.

En fin, la cuestión es que se vienen haciendo muchas películas sobre esa tendencia en los últimos años, y a mí personalmente no me suelen gustar. Hacer una lista de las "tristemente ilustres" sería tan sencillo como decir, por ejemplo: Pretty woman, Dirty dancing, Alguien como tú, El diario de Bridget Jones, Cuatro bodas y un funeral, Notting Hill, Love actually, El bar coyote, Un paseo para recordar...y en definitiva, casi cualquiera en la que salga Richard Gere, Julia Roberts o Hugh Grant, yo creo.

Así pues, y como gesto desafiante, me he propuesto hacer una mini-recopilación de lo que yo más destacaría de este género (que va a ser generalmente, aunque no siempre, por trascender los cánones habituales). Las únicas condiciones son: que sea contemporánea, y que lo romántico ocupe una posición preferencial. A ver qué películas salen, y a ver también si se añade luego alguna más que sea interesante:

Algo en común. Por, aún tratándose de Natalie Portman, tratar de crear un personaje femenino real. Con defectos, y que vaya más allá de la imagen de la chica absolutamente adorable.

Alta fidelidad. Por ser una película que reflexiona (y además generalmente con lucidez, esto es Frears) sobre las relaciones de pareja. Por desmitificar los amores platónicos y ser capaz de entender lo que es que un personaje madure y entre en el mundo real.

Antes del atardecer. Por hacer una disección estupenda tanto del comportamiento masculino como del femenino. Y por lograr, sin exagerar ni contarnos cuentos chinos, algunos de los momentos más emotivos del romanticismo cinéfilo en los últimos años (esa escena final, enterita...).

Beautiful girls. No me gusta tanto como a otros, pero por crear a un protagonista que, entre la realidad y la utopía, escoge la realidad.

Entre copas. No es fundamentalmente romántica, pero la destaco por evitar hábilmente el happy end más vulgar y por conseguir hacer absolutamente entrañable una relación bastante verosímil y hasta mundana.

Fucking Amal. Por retratar la adolescencia desde una óptica más seria. Porque huye de lo idealizado y en muchos momentos te das cuenta de que la rubia está con la otra casi por aburrimiento, por probar cosas nuevas. Y porque salen lesbianas besándose.

Los puentes de Madison. Porque pocas personas habrían salido de aquel coche en medio de la lluvia.

Lost in translation. Porque, igual que con la anterior, lo verosímil no solo suele ser más interesante si no más emotivo. Y sobretodo por mostrar sin palabras cosas que otros no podrían expresar ni con un libro entero.

My sassy girl. Por, aún siendo algo meliflua en lo amoroso, recuperar el tono cómico de la guerra de sexos clásica. Y es que yo, dentro de mi escasa cultura cinematográfica, me atrevería decir que el personaje de ella, en ese sentido, es antológico.

Olvídate de mí. Por sostener la valiente idea de que el amor no ha de ser una conjunción perfecta entre dos mitades complementarias. Y porque se sostenga que ese amor "imperfecto" es tan importante, necesario y válido como cualquier otro.

Persiguiendo a Amy. Por su intensidad, por tener sentido común y por no rendirse a lo facilón.

State and main. Porque, y con ésta vuelvo a romper mis autoimpuestas condiciones, hacía tiempo que no veía en una película una relación de amor tan poco idealizada, tan sobria, tan natural y por todo ello tan satisfactoria.

Riefenstahl, Emmerich, Bay

2005-06-04T21:45:00.000+02:00

Cómo cambian los tiempos...

¿O no lo hacen tanto?

Blogger's Music Chain

2005-06-02T00:56:00.000+02:00

No soy realmente muy dado a responder este tipo de cosas, pero supongo que una vez al año no hace daño.

1.- Tamaño total de archivos de música en tu ordenador:

Lo que es en el ordenador en este mismo momento, cerca de un gigabyte. Se debe a que tengo tres carpetas en las que voy metiendo, respectivamente, la música que me he agenciado y que aún no he escuchado (o aprobado), la música que definitivamente voy a incluir en el saco como "música normal" y la que voy a incluir como "bandas sonoras".
Si contabilizo lo que realmente tendría si mi disco duro no fuera una mierda de 19 gigas y pico, me sale que 34 cds de mp3 = 34 x 700 = 23800. Unos 23 gigabytes, aproximadamente.

2.- Último disco que te compraste:

Creo que fue el Amnesiac de Radiohead, grupo del que he comprado todos menos el primero. Salvando ésos, uno de REM, y algunos otros de bandas sonoras, creo que no me he comprado más discos en mi vida.

Eso sí, en cierto modo llevo bastante tiempo comprando "trocitos" de discos que nunca escucharé, lo que me recuerda que:

3.- Canción que estás escuchando en este momento:

La novena del gran Ludwig Van, aunque al empezar el test sonaba (y lo digo por citar algo más moderno) Billie Jean, de Michael Jackson.

4.- Cinco canciones que escuchas mucho y que, por tanto, tienen significado para ti:

Esa conclusión de que han de tener significado por escucharlas mucho es de lo más arbitraria, pero aquí van las cinco primeras que me vienen a la cabeza:

Paranoid android, de Radiohead.
Michelle, de los Beatles.
Your latest trick, de los Dire Straits
Limp, de Fiona Apple
Trouble, de Coldplay

Selección que, confirmo, es...pseudoaleatoria.

5.- Señores a los que les pasas el turno:

Venga. Pongo aquí 3 blogs sobre cine (entre otras cosas):

Orient Xpress
Apuntes desde el sótano
In-adaptación

Breves: Inseparables

2005-05-27T15:05:00.000+02:00

Aunque Inseparables sea una de las películas más "convencionales" de Cronenberg (o quizás sería mejor decir que es una de las películas en las que el horripilante mundo de Cronenberg parece más convencional), no cabe duda de que con su participación éste la llevó a su terreno, y de que por tanto la película no está carente de su estilo y de sus preocupaciones habituales.

La autodestrucción, la dualidad entre cuerpo y mente, el impacto de la tecnología y de la ciencia sobre el hombre, la misoginia, la enfermedad...son temas recurrentes en su filmografía, si bien en esta película aparecen más esporádicamente, en escenas puntuales, que integrados en el conjunto de la película (probablemente porque el material tenía una sólida base literaria ya antes de llegar a las manos del canadiense).

La escena de la operación a Elliot es una de esas escenas. Onírica, evocadora, delirante...enfermiza. Los dos hermanos están ya consumidos tanto física como psicológicamente, y Bev se dispone a operar a su hermano Elli. El motivo de la operación es absolutamente inescrutable desde un punto de vista meramente racional, pero tiene sentido considerando la deformación de la realidad que han sufrido ambos personajes. Bev y Elliot intentan separarse, intentan romper esa unión casi mística que tienen (en algún momento de la película Elliot dice que la sangre que recorre las venas de Beverly acabará recorriendo las suyas), y que han visto reflejada por primera vez cuando Beverly se enamora de una mujer, haciendose patente con ello la existencia de su propia identidad. La escena remite también, metafóricamente, a uná "fábula" relativa a dos siameses, en la que la muerte accidental de uno provoca la posterior del otro por puro miedo. De hecho, en ese momento Beverly habla a su hermano en términos de "separación", y cada uno se refiere al otro con los respectivos nombres de dichos siameses, disipando con ello las dudas que pudieran quedar.

Así, un hermano, drogado, se dispone a operar al otro, drogado también, de un mal que no tiene, y usando un aparatoso y demencial instrumental quirúrjico que parece sacado de una exposición de arte moderno.

Y el hecho de que la descripción de esta escena encajase perfectamente en cualquier película de los Monty Python (me viene a la cabeza la maquina que hace "pinnnnnnng" de El sentido de la vida) es la muestra de cómo una misma idea, la irracionalidad en un contexto racional, se puede ver desde varios puntos de vista, desde el divertido hasta el terrorífico.

En mi caso, puedo decir que la secuencia me parece terroríficamente divertida, o morbosamente terrorífica, idea reforzada por el breve diálogo que mantienen los dos gemelos:

Elliot - ¿Crees que el morticulador * es necesario, Enk? -
Beverly - Creo que TODO es necesario, Chang -

* : refiriéndose a uno de los instrumentos quirúrjicos que más grima da.

Inseparables probablemente sea una obra maestra, de lo mejor de la terrible década de los 80, pero lo que sin duda sería es el capítulo estrella de cualquier tratamiento de choque destinado a entrar en el mundo de David Cronenberg.

Darth Vader ya no volverá a ser lo mismo

2005-05-21T03:56:00.000+02:00

Supongo que es de recibo que haga algún comentario al Episodio III, solo sea porque ha sido capaz de sorprenderme.

La película empieza con un comienzo no precisamente prometedor. Acción a raudales (esa tónica seguirá ya hasta el final, creo yo que afortunadamente), no muy lograda técnicamente (a pesar de ser un absoluto derroche de efectos especiales), y siguiendo la senda iniciada por la nueva trilogía. A saber: los Jedis nunca tienen que huir, en cualquier situación vencen sin problemas a cualquier número de malos (Dios, qué dura es aquí la comparación con el cuidado de la creciente tensión puesta en las clásicas), incluso R2 mata a cuantos enemigos se le ponen por delante...
En fin, como en un videojuego, con la diferencia de que hay videojuegos sobre Star Wars mucho más interesantes.

A partir de entonces, a los 15/20 minutos, nos enteramos de que la película tiene argumento. En concreto, el relato de cómo Anakin sufre su peligroso acercamiento al Senador Palpatine (cantadísimo, y no solo por el trailer, jefe de los Sith). Esta parte de la cinta en general es aceptable, aunque en absoluto se llegue a profundizar y aunque la intención narrativa siempre parezca ser condensarlo todo y contar solo lo suficiente, para que el ritmo siga siendo entretenido.

Y hasta ahí, más o menos bien. Sigue pesando el lastre de dos de los vicios de la nueva trilogía, las escenas de "política" y las de amor (si bien no tan repelentes como las de El ataque de los clones, aún del tipo "pegote"), pero bueno. Así más o menos hasta que Anakin, en uno de los momentos de mayor verosimilitud (e interés) de su retrato, por cierto, mata a Windu. En ese momento, auténtico punto de inflexión argumental de la película y de la saga entera, Lucas considera que ha hecho su trabajo en ese sentido, y La venganza de los Sith muestra a las claras su verdadera razón de ser: el desarrollo (algo forzado, eso sí) de la mitología previa a La guerra de las galaxias, y las respuesta a los interrogantes que taaaantos fans llevaban taaaanto tiempo esperando. En otras palabras, conceptualmente deja de ser precuela para convertirse en secuela.

Por tanto, cabe decir (y yo creo incluso que es obligatorio hacerlo) que los logros que alcanza a partir de ahí La venganza de los Sith son en su mayor parte una consecuencia directa de la saga clásica. Es decir: "por sí misma" la película ya no ofrece mucho más. Anakin no logra erigirse ("por sí solo", insisto) en personaje emblemático, el retrato de la transformación de la república en imperio es mediocre, la historia romántica desaparece, las aventuras y la acción entretienen pero no mucho más... ¿dónde están, pues, esos logros?

Sencillo. Los logros, si así se pueden llamar, están en jugar hábilmente con la mitología que conocemos, y que, valga la redundancia, es ya mítica de por sí. Poco importa que la transformación absolutamente radical de Anakin sea inverosímil (y lo es desde el momento que acepta convertirse en sumiso siervo del emperador). Poco importa que el relato político parezca un cuento de terror. Poco importa la ocasional falta de rigor que quita interés a los personajes...porque la cuestión es que esos personajes ya eran emblemáticos desde mucho antes de rodarse esta película.

Poco importa. Porque, dicho de otro modo: la sola (y astuta) evocación de las imágenes de Darth Vader o de los soldados imperiales (o de Obi-Wan, o de Luke, o de Leia, o de cualquier otro...) se basta para satisfacernos, en gran parte porque conocemos perfectamente todo lo que vendrá después (es decir, no solo están los sentimientos, no muchos, que ha inspirado hasta ese momento la película, si no sobretodo los que se agolpan en nuestra mente debido a lo que sabemos que en el futuro va a pasar con esos personajes). Y eso es realmente lo que añade una dimensión de auténtica epopeya al asunto.
Apartado éste, por cierto, que se ve favorecido por el hecho de que se empleen más o menos los elementos adecuados: Potencia visual (hay muchas imágenes, más o menos obvias, de esas que buscan perdurar en la memoria), un por momentos sentido aspecto dramático (de tratamiento simplista), un estilo oscuro lejano al infantilismo de los dos primeros episodios (aunque aquí hay una carencia, pues el desmedido expresionismo de esta tercera parte puede rozar en ocasiones el ridículo, como cuando los ojos de Anakin sin más se vuelven casi rojos para expresar la ira y el odio de su personaje), una dimensión trágica sobre el personaje de Vader (uno de los malvados más carismáticos de la historia del cine), etc...

Es en definitiva, La venganza de los Sith una película mucho mejor que El ataque de los clones, y absurda, infinita, insultantemente superior a La amenaza fantasma. Pero como ya he dicho no estoy de acuerdo en una cosa: No es una digna precuela. Sería, si acaso, una digna secuela, un digno cierre a la saga. Porque sí, es cronológicamente anterior a las "clásicas", pero nada de lo que nos cuenta tendría sentido si no conociésemos las otras, y por tanto es una conclusión de ellas: la propia denominación de precuela no tiene sentido aquí. Este Episodio III se aprovecha del poder de las cintas clásicas y de la inmensa imaginería colectiva que han generado para forjar su epopeya. Y así, cuando llega el momento (muy pero que muy superior en nivel al resto del filme, todo hay que decirlo) en que Darth vader/Anakin Skywalker, antaño lozano y orgulloso guerrero, ahora mutilado monstruo de hojalata (por el que sientes más compasión que odio, y que incluso, engañado, cree ahora que sus seres queridos han muerto), se pone la máscara negra que le condena y que le encerrará para siempre y se oye su primera y forzosa respiración artificial...a este cronista le temblaban las manos.

Con este capítulo, como diría Yoda, la saga terminado ha. Y para bien o para mal, ver a Darth Vader en cualquiera de las otras películas, a pesar de su sempiterno traje negro y de la voz de James Earl Jones, puede que no vuelva a ser lo mismo.

Dare mo shiranai

2005-05-19T03:27:00.000+02:00

Mientras el genio de los negocios George Lucas busca el más difícil todavía en cómo seguir sacandole las perras a la legión de fans de Star wars (la última creo que es reeditar y reestrenar (sí, otra vez) todas las películas, esta vez en 3-D), hay quien sigue haciendo cine interesante, por ejemplo en otras latitudes.

Nadie sabe es una película que merece amplio comentario, sin duda, pero yo solo quiero destacar una cosa por encima de las demás: Frente a la costumbre (tan habitual en el cine "comercial") de coger los dramas y saturarlos de recursos baratos para mantener emocionalmente en vilo al espectador (no hay más que ver Hotel Rwanda o Mar adentro, dos películas decentes y efectivas pero con un abuso desmedido de estos "trucos" a los que aludo) esta película lo que hace es justo lo contrario.

Con un estilo de filmación claramente naturalista (cercano por momentos al documental), y con una narración que no podría ser más ajena a efectismos, sensiblerías y maniqueísmos, lo que hace Hirokazu Koreeda no es contar su drama de forma honesta y elegante, si no que directamente a veces parece que (formalmente, ojo) no está contando ningún drama. Por decirlo más claramente: es una película en la que varios niños pequeños son abandonados y han de vivir en circunstancias trágicas, y sin embargo apenas hay alguna lágrima a lo largo de sus fugaces dos horas y pico. Precisamente, la "gracia" de la película estriba (en mi opinión) en que ves escenas absolutamente duras, terribles (o que más bien hacen presagiar lo terrible), pero en las que paradójicamente ninguno de los personajes entiende al completo lo que ocurre. Son escenas en las que no se trivializa ni se exagera el sufrimiento, ya que la tragedia siempre está "fuera de campo". Solo el espectador es consciente de los hechos en toda su extensión, solo el espectador (y a veces el protagonista) puede sentir realmente toda la dureza de la película, lo que aumenta la potencia del drama hasta límites insospechados y lo traslada a veces incluso hasta el territorio del terror.

Esta total ausencia de sensiblería "explícita" es una de las grandes virtudes de la cinta, lo que por cierto la contrapone a otra estupenda película (de temática y espíritu similar) como es La tumba de las luciérnagas.
La otra gran virtud de la película es, en mi opinión, el retrato de todos los personajes (y las interpretaciones de los actores), lejos del tópico fácil, de modo que podemos creernos (y en cierto modo comprender) tanto a la sufrida aunque cobarde, inmadura y egoista madre, como al niño protagonista, inocente , espabilado y responsable de sus hermanos (pero sin pasarse, que es un niño), pasando por el resto de los miembros de la familia.

Es en definitiva una película preciosa, cargada de sutileza, de escenas que sugieren mucho más que muestran, con un durísimo drama que no se explota para tratar de desarmar al espectador, si no que subyace bajo cada fotograma...y una película que además logra algunas secuencias magníficas, como aquella de la maleta, o como todas esas que van paulatinamente mostrandole al espectador lo que les ocurre a los niños pero sin que ellos mismos (por su ignorancia, su inocencia, su ingenuidad...) sean conscientes de ello.

Unos cuantos enlaces con comentarios más lúcidos:

Orient Xpress (el post del 12 de abril)
Miradas de cine
La butaca
Fotogramas
El criticón

Código 46

2005-05-14T02:08:00.000+02:00

Aprovechando que este blog está sufriendo (y va a seguir haciéndolo, doy fe de ello) un severo parón debido a la que en teoría debería ser mi ocupación principal, comento brevemente una película que he visto hoy: Código 46.

Esta película tenía muchas papeletas para gustarme, porque se adscribe a varias cosas que suelen atraerme. A saber:

1. Ciencia ficción verosímil y la vez original, pero también...pesimista, gris, desencantada...o cómo se la quiera llamar.

2. Una historia de amor imposible, dentro de ese contexto, que (siendo el amor algo así como un símbolo de libertad y de humanidad) funcione como perfecto contrapunto del futuro (valga la redundancia) deshumanizado y opresor. Este punto, junto con el anterior, conforma el que probablemente sea uno de mis subgéneros favoritos.

3. El deleite visual (y sonoro). He pensado y dicho no pocas veces veces que me gusta más la ambientación futurista de muchas películas humildes y supuestamente "cutres" que la de casi cualquier película sobrecargada de presupuesto:
Un punto de partida (argumental) interesante. Un inteligente estilo de fotografía. Unos escenarios bien escogidos, que transmitan esa sensación de fría mecanización y gris soledad existencial. Ahí (citaría a Cypher de ejemplo, o a ésta misma) es donde reside ese aire de irrealidad sombríamente cercana, tan propio de los mundos felices que luego resultan escalofriantemente desesperanzadores, y no en los fastuosos, exagerados y al final siempre rutinarios diseños de producción a lo Yo, Robot.

Vaya imágenes... ¿Blade runner? ¿Ghost in the shell? ...No. Código 46

A Código 46 puede faltarle garra, energía, contar quizá algo menos manido. Lo paradójico es que se da aires de cine diferente cuando en el fondo lo que hace es tomar lo que ya han hecho otros antes e imprimirle un sobresaliente estilo visual que ya no es rupturista, cosa que la vuelve bastante previsible. También tiene una excesiva tendencia al videoclip (sí, he dicho que ese aspecto me gusta, pero creo que se pasan un poco en la introducción de "escenas de ambiente"), lo que desequilibra el conjunto de la película, habiendo a veces carencias en la definición de los personajes o en el desarrollo de la trama. Por contra, sí tiene a su favor que el aspecto futurista y de denuncia es algo más transversal que en otras películas, es decir, que no se expone directamente si no que es aquello que rodea a la historia de sus personajes. Es en ese sentido difícil encasillarla en un género o modo de hacer cine concreto.

En definitiva, porque ya estoy divagando, Código 46 tiene aciertos y debilidades que, sumados, hacen que la película no llegue a unos niveles off the record. Pero eso no empaña un trabajo ante todo inteligente, curioso... y recomendable.

Hay cosas que el dinero no puede comprar

2005-05-08T15:17:00.000+02:00

Casco Darth Vader Voice changer: 69.00 €

Darth Vader lightsaber Force FX Edition: 164.99 €

Botas, capa y atuendos de cuero negro: S/C

Ir al estreno del Episodio III disfrazado de Darth Vader y espetarle un "don´t make me destroy you" al taquillero cuando te pida las entradas: No tiene precio.

Breves: El tercer hombre

2005-05-02T23:44:00.000+02:00

Es curioso, porque apenas se habla de ello. Ni siquiera creo que sea la escena más famosa de la película (muchos citarían antes la primera aparición de Harry Lime o el celebérrimo monólogo de los relojes de cuco). Pero yo, si tengo que escoger un solo plano de toda la película, elijo el final con los ojos vendados.

Para empezar nos informa desde el primer instante de que la película se acaba: La composición de la imagen, como si fuera un puro cuadro, es tan meticulosa/simétrica que de hecho Joseph Cotten al principio tiene que ir a "colocarse" en su sitio. El sonido desaparece (se sobreentiende que no va a haber más diálogos), y solo persiste el tema musical que ha dado vida a todo el metraje. El ritmo se rompe, ya que en todo el tiempo solo se ve caminar a un personaje mientras las hojas de los árboles caen (porque están en otoño, porque queda muy bonito, y yo creo que tal vez como enésima metafora de que esto se acaba, la película y con ella el destino de Holly Martins). Todos estos elementos en definitiva hacen que se cree una sensación de inevitabilidad con respecto a lo que va a ocurrir, que, si además pensamos en las últimas conversaciones entre él y ella, se convierte en una sensación de fatalidad.

Una vez que somos conscientes de que esto se acaba, falta dilucidar cuál es el final. Como he dicho, no es difícil de adivinar, aunque la manera de mostrarlo no podría ser más concisa y brillante. Toda la acción ocurre, no hay que olvidarlo, sin palabras, sin cruces de miradas, sin reacciones de los personajes...en otras palabras, sin acción! Sin ningún apoyo narrativo (quitando la forma de arrojar la cerilla al final, una mezcla de rabia y tristeza), solo un plano fijo en el que se ve caminar a una persona. Y sin embargo, la magia está en que todo (tanto la lógica de la escena, que entendemos por haber visto el resto de la película, como los sentimientos de los personajes en ese momento) resulta estar explicado de una manera tan perfecta, tan precisa, tan elegante, que cualquier plano añadido entre medias sería no ya redundante, si no grotesco.

Holly Martins es lo que habitualmente se conoce como un perdedor, alguien que desea cosas que están aparentemente fuera de su alcance. Anna le rechaza en primer lugar porque ama a Harry, y en segundo porque no llega a sus ideales (en el mundo ya no quedan héroes...solo en tus novelas, le dice Harry), no entiende su comportamiento: le desprecia por haber "traicionado" a su amigo y objeto del amor de ella. A su vez, Holly también es un personaje que vive a la sombra de Harry, tanto en el éxito personal como en el profesional. Sus escrúpulos le condenan a vivir una vida sin gloria, mientras ve cómo otros van por la vida cogiendo lo que quieren y usándolo como les viene en gana.

Se suele decir que la película acaba mal, que el desenlace no es "feliz" para el espectador. Yo me pregunto: ¿de qué modo podría acabar mejor? Ese rechazo amoroso del final no hace sino subrayar la importancia que tienen las acciones de una persona, y la dificultad de asumir esas acciones. Holly sabe que al ajusticiar a Harry no solo pierde su mayor amistad, sino también casi cualquier esperanza de conseguir el amor de Anna. Y aún así lo hace.

Ese final es la constatación del sacrificio que Holly se ha visto obligado a hacer. La expresión más clara de su dignidad. Y aunque este patrón suela identificarse con el de un perdedor, yo creo que su altura moral le eleva casi a la categoría de héroe. ¿De qué modo podría terminar mejor?

"La realidad es aquello que, cuando dejas de creer en ella, no desaparece"

2005-05-01T04:13:00.000+02:00

En su tiempo, el talento de Philip K. Dick no fue excesivamente reconocido, pero hoy día es uno de los autores de ciencia ficción más influyentes, particularmente sobre las nuevas generaciones. En cine, "sus" trabajos más populares son Blade Runner, Desafío total o Minority report, pero la lista es larga, sobretodo si pensamos en películas que no sean necesariamente adaptaciones oficiales pero sí beban de su estilo o de su imaginería.

Es uno de los autores que mejor ha explorado (y desde luego de manera más atractiva para el público, yo no puedo decir de muchos escritores que haya leído algún libro suyo a 150 páginas por día) el fascinante y fino hilo entre la cordura y la locura, siendo éste quizás el aspecto principal de su obra y el que, aunque a veces usando otras cosas como excusa, más se circunscribe a la ciencia ficción. Yo diría que su sombra en este sentido es tan alargada que aún hoy uno pensaría, por lo que se lee y se ve, que apenas se ha llegado más lejos de a donde llegó él, y de hecho ahora mismo hay otras dos películas aún por estrenar (A Scanner Darkly, de Linklater y Next, de Lee Tamahori) basadas en material suyo.

Philip K. Dick fue un hombre enfermo, agorafóbico, drogadicto y tal vez con algún (otro) trastorno mental, como pueda ser la esquizofrenia. Pero no solo sus temas paranoides son lo que llama la atención de su obra, si no también un estilo que fue mejorando con el paso del tiempo (los primeros libros son más obvios y mucho menos depurados en ese sentido) y en el que si bien la prosa no es brillante, sí destaca por ejemplo el hábil uso de los diálogos de modo que hiciesen fluir la trama pero sin exponerla directamente, sin dejar entrever sus costuras.

Hace ya muchos años que murió este genio, que no llegó a ver estrenada la que en cine sería su cinta de culto. Pero nunca es demasiado tarde para ponerle un cirio.

Breves: Paris, Texas

2005-04-28T01:10:00.001+02:00

Pocas películas modernas tienen un arranque tan mítico como Paris, Texas. Es una opinión muy personal, y no sé si al resto de los aficionados les transmitirá tantas sensaciones, pero yo creo que esos primeros segundos ya resumen perfectamente la esencia de toda la película.

Fondo negro. Aparecen los títulos de crédito. Suave e imperceptiblemente comienzan los acordes de Ry Cooder, los más desencantados y melancólicos que haya conocido está década de cine familiar y taquillazos sentimentaloides. De pronto, en pantalla está el título de la película, en un contundente rojo sobre negro. En ese momento musicalmente álgido sube el volumen, y pasamos a la panorámica del escenario, un terreno baldío y desértico de cielo azul y rocas pardas cuyo paisaje funciona como evocador de todas esas sensaciones ya mencionadas. Vemos volar un pájaro, uno de los (pocos) solitarios habitantes de esas tierras. Y de pronto aparece Travis, con su aire de fantasma extraviado y su mirada perdida, que camina y camina sin rumbo fijo...

¿Es necesario seguir?

Возвращение

2005-04-24T04:07:00.000+02:00

El regreso es una de esas películas que, por obra y gracia de canal plus, puede aparecer un día cualquiera programada a las dos de la mañana y conseguir que te la tragues mientras experimentas esa especie de absorta fascinación que nunca sabes muy bien si achacar a la película, a las horas que son, o a una ponderada combinación de ambas.

Esta ópera prima está, como creo que se trasluce fácilmente por el título de este post, parida en Rusia, país bastante dado a un cine complejo, profundo, reflexivo, lento...y otros tantos calificativos de esos que asustan a más de uno. Creo que fue Bergman, uno de los adalides de este tipo de películas, el que dijo que en el mundo del cine Tarkovsky era el mejor, lo que da una idea de cómo les gusta el cine a los rusos.

Bueno, pues supongo que El regreso es un buen ejemplo de esa línea: Dos chicos ven cómo a su casa llega un hombre que según parece es su tanto tiempo desaparecido padre, y se van unos días de viaje con él. Punto. A partir de ahí, Zvyagintsev crea una interesante historia a caballo entre el drama introspectivo y el cuento infantil (con un puntito que recuerda a La noche del cazador), centrándose en retratar tanto las personalidades de ambos chicos como la relación que mantienen con su enigmático padre...o con la figura paterna en sí, se podría decir. Ésta relación está marcada (o deformada) por las diferentes percepciones que éstos tienen sobre él, lo que es bastante lógico si pensamos que durante toda su vida han carecido de esa referencia.

De este modo, durante el transcurso de la historia los chicos irán mostrando un amplio abanico de sentimientos hacia el padre, lo que sumado a su aureola misteriosa (se nos oculta lo relativo a esas llamadas telefónicas que hace, el paquete que transporta o la caja que desentierra y que se lleva...por no hablar de su identidad, su pasado o sus motivaciones) hace que sea como si viesemos todo desde el ingenuo punto de vista de los niños, punto este que abre todo tipo de interpretaciones.

De todas formas, creo que lo que más me ha llamado la atención de la película es el modo en que logra sumergirte en ella. Una cosa tan aparentemente simple como ver a un personaje en medio de una interminable e impersonal carretera y conseguir que te sientas solo y aislado en ese momento...es en realidad algo difícil. Y esta película lo consigue. Lo consigue en base a una admirable progresión narrativa (que separa a los personajes lenta y paulatinamente de la "civilización"), a la esporádica aparición de una suave banda sonora (sin olvidar los fundamentales sonidos naturales...ese viento, esos pájaros, esas olas...), y a una fotografía cristalina que, con una definición de imagen como cuesta ver otra igual (y esto no sé a qué se deberá), nos regala algunos impresionantes paisajes de la fría Rusia.

Así que, para no enrollarme más, termino con imágenes. No es lo mismo así, claro, pero si uno le echa imaginación sirve para hacerse una idea.

Películas en un año

2005-04-21T01:14:00.000+02:00

Veces que he pasado por la taquilla de algún cine (no cuento filmotecas o similares, solo películas en rigurosa cartelera) en los últimos 365 días:

2046
Alejandro Magno
Algo en común
Antes del atardecer
Asalto al distrito 13
Bad Santa
Closer
Collateral
Confesiones de una mente peligrosa
Crimen ferpecto
Cypher
Descubriendo Nunca Jamás
El amanecer de los muertos
El arca rusa
El aviador
El bosque
El día de mañana
El hundimiento
El lobo
El maquinista
El mensajero del miedo
El mito de Bourne
El rey Arturo
Entre copas
Fahrenheit 911
Harry Potter y el prisionero de Azkaban
Hellboy
Hierro 3
Hotel Rwanda
Inconscientes
Isi/Disi - Amor a lo bestia
Kill Bill: Vol. 2
La búsqueda
La casa de las dagas voladoras
La matanza de Texas (2004)
La terminal
La vecina de al lado
Largo domingo de noviazgo
Las mujeres perfectas
Life Aquatic
Los chicos del coro
Los increíbles
Mar adentro
Melinda y Melinda
Memories of murder
Million dollar baby
Obsesión
Ocean's twelve
Olvídate de mí
Resident evil 2: Apocalypse
Robots
Saw
Shrek 2
Sky captain y el mundo del mañana
Spiderman 2
Super size me
Team America: World Police
The cooler
The ladykillers
Troya
Una chica de Jersey
Van Helsing
Whale rider
Yo, robot

Una semidiosa de la pantalla

2005-04-18T14:21:00.000+02:00

Pues eso.

http://www.naomi-watts.net/

Hierro 3

2005-04-17T13:47:00.000+02:00

Salvo por algún recurso argumental más que caprichoso (como la aparición de la policía), tengo que decir que me ha encantado el último trabajo de Kim Ki-Duk.

Hierro 3 es una película que se fundamenta en un tono...no fantástico, pero tampoco decididamente realista. Es más bien un "halo" de ambigüedad, un tono de fábula, de cuento. Y merced a ese tono, tienes la sensación de que Ki-Duk solo usa la historia como medio para llegar a otro sitio, para hablar de otras cosas.

Pero decir que, incluso independientemente de lo que pretenda representar, haya una crítica a las convenciones sociales mterialistas o no, tengan un significado o no esas casas vacías que adquieren vida con la llegada de Tae-suk, lo que más llama la atención de esta película es la manera en que sus imágenes traspasan la pantalla. Imágenes que parecen dejar de ser una sucesión de meras fotografías, el cine, para convertirse en una atmósfera que te rodea en la misma butaca y que penetra en tu cerebro haciéndote partícipe y testigo de lo que está ocurriendo.

Dicha esta cursilada, insisto: no es una película inaccesible. Vaya por delante que los dos protagonistas se permiten la licencia poética de decir solo 6 palabras a lo largo de 95 minutos, pero es difícil imaginar cómo podrían expresar mejor sus sentimientos. E idem con el resto de los factores: Ya desde el principio conectas con su austera poesía visual, con su laconismo elocuente, con su salvajemente tierna historia de amor... Y con su final, que aún siendo tal vez menos redondo que lo que le precede, es probablemente uno de los retratos más sutiles que yo haya visto en una pantalla de cine de cómo pueden confundirse sueño y vigilia, realidad y fantasía, locura y cordura, etc. Un logro que supongo es comprensible viniendo de una cultura que tiene tan presente (y mezclado con la "vida real") el misticismo y la espiritualidad.

En cualquier caso, la película, una gozada.

Who Watches the Watchmen?

2005-04-13T17:03:00.000+02:00

¡The Watchmen en 2006?

...Parece ser que después de pasar de mano a mano como si de una patata caliente se tratase, y tras ser considerarse para la dirección a personas como Terry Gilliam, Darren Aronofsky o David Hayter (el definitivo será Paul Greengrass), la mejor novela gráfica de la historia está al fin concretada y, según la IMDB, en preproducción.

Yo no sé que esperar (bueno, sí: poco), aunque a pesar de no ser excesivamente aficionado al mundillo del cómic éste me parece algo así como su Ciudadano Kane. Y si bien es una historia compleja, fascinante y con mucho subtexto, creo que podría hacerse una adaptación al cine moderadamente digna, ya que el material en sí es bastante cinematográfico. Ojo, no digo que la adaptación vaya a ser buena, que ya sabemos por qué se hacen las cosas en Hollywood y qué aspectos de la película van a primar, pero sí que tiene posibilidades.

De hecho, no sé si ocurrirá así con comics de otros autores en general, pero con Moore (y The Watchmen en concreto) siempre sentí algo parecido a estar delante de una película. Hace gala de un uso primoroso de las posibilidades narrativas de cada viñeta, además de jugar con su magistral guion a deconstruir la historia en capítulos, flashbacks y demás de manera que en cada momento solo sepas lo que interesa. E igual que con el tópico de que el plano final de Centauros del desierto cuenta más cosas que 10 minutos de diálogos, la obra maestra de Alan Moore contiene viñetas que por su planificación verdaderamente plasman mejor una idea que cualquier retahila de explicaciones que pudieran darse (me viene a la mente esa "escena" en la que Rorscharch visita a Dreiberg y al final se ve confrontada la desmitificadora imagen actual de este último con su lustroso y nostálgico traje del pasado). Y es en ese tipo de cosas en las que pienso a la hora de imaginar una adaptación. Joder, ¡si incluso los encuadres de las tomas ya están bien hechos y pensados en el propio cómic!

En fin, que igual pueden destrozar la obra con "otra adaptación de cómic" más, que hacer una de las películas de ciencia ficción/fantasía del nuevo milenio. Habrá que ver.

El cuerpo del delito

La locura de los cuerdos

2005-04-11T05:37:00.000+02:00

Uno de los puntos más claros en el cine de Terry Gilliam es su combatividad ideológica. En prácticamente todo lo que ha rodado hay, no precisamente bajo la superficie, una crítica al sistema, entendiendo éste como un conjunto de varios factores (capitalismo, fascismo, burocracia, industrialización, contaminación...) que al final se resumen en uno: la deshumanización provocada por el mundo moderno (que no futuro).

Supongo que por eso una idea muy recurrente en su filmografía es la de los locos lúcidos. En sus tres películas más populares (Brazil, El rey pescador, Doce monos) más la inconclusa El hombre que mató a Don Quijote, aparecen personajes que son en algún momento tomados por locos, cuando nosotros sabemos que dicha consideración, como mínimo, esconde una paradoja.

Veamos (El Quijote es un ejemplo tan paradigmático que no necesita comentario): En Doce monos el protagonista es tomado por loco cuando cuenta lo que él (y nadie más) sabe. En Brazil, Sam Lowry se vuelve loco (le vuelven loco sería más correcto) tratando de escapar de la pesadillesca realidad en la que vive. Y en El rey pescador, la película que me ocupa, Parry también se vuelve loco tratando de escapar de su terrible realidad, aunque en su estado ulterior mantiene una especie de conciencia acerca de su condición que le permite ser en ocasiones, a veces metafóricamente, el personaje más lúcido, el más liberado de esas cadenas que son el mundo. Por no hablar claro de que tanto en la película como en la leyenda que le da título, el "tonto" es el personaje que proporciona la redención al otro.

Volviendo a una perspectiva más general, parece claro que ésta no es una película frecuente. En mi opinión, al menos si se pretendía sacar partido de la vena dramática, Gilliam no era el idóneo para una historia de este tipo (de hecho es uno de sus pocos trabajos en cuyo guion no ha colaborado). Y por ello, el hecho de que confluyeran dos estilos diferentes y aparentemente incompatibles terminó por desequilibrar claramente el conjunto, lo que mucha gente aprecia en el contraste existente entre la parte dedicada a las relaciones personales (Jack/Anne y Parry/Lydia) y la parte marcadamente fantasiosa que describe la chaladura de Parry.

No obstante, y otra vez paradójicamente, creo que esta mezcolanza tan particular, tan llamativa, es una de las causas por las cuales la película se te graba en las retinas.
Sí, lo reconozco. Si tengo que situarme, yo soy un defensor de El rey pescador (y de su director siempre que haga falta). Y a pesar de su irregularidad creo que algunos errores pueden ser más significativos que muchos aciertos. Probablemente a la conjunción de las historias personales le falte cierto tino (hay más sutileza en las escenas sobre Jack que en general sobre las que tratan relaciones amorosas), y la película peque de cosas como su arritmia general o como un final acaramelado, pero me parece que el retrato, al menos en lo básico, de los dos protagonistas, es impagable (el de Jack Lucas, perfectamente remarcado en el prólogo de la película, cuando solo se oye su voz y se ven sus labios, dando la imagen despersonalizada y poco humana que se pretende). Eso, junto con el trágico y doloroso tramo final, junto con la escena absolutamente delirante, surreal y a la vez brillante del robo, junto con ese mundo de encuadres violentos y angulosos, junto con la fuerte carga simbólica que logra la película...son ya varios puntos a favor.

No una obra maestra. Pero sí una película diferente y a contracorriente. Y que verdaderamente merece la pena.

Vincent

2005-04-10T13:56:00.000+02:00

Buena parte del estilo visual de Tim Burton quedó patente ya en su primer corto, estéticamente magnífico. Vaya por delante que evidentemente no es una obra "original" en el sentido estricto, y las referencias (a Edgar Allan Poe, a Roger Corman/Vincent Price...) son expresas, pero no por ser un puro homenaje resulta menos hermoso.

La ambientación es sin duda lo mejor. El corto se filma usando muñecos (animados en stop motion), dibujos, y unos pocos efectos especiales de estilo artesanal, de esos que gusta decir que recrean la "magia" del cine. Estos ingredientes conforman unas imágenes marcadamente expresionistas que bien se podría decir que resumen el estilo del futuro director. A ello también contribuyen la música (melancólica y con un halo de cuento de hadas), los efectos de sonido, y por supuesto la estupenda narración de la estrella invitada: Vincent Price.

Y no acaba ahí. El contenido, siendo bastante esquemático, también contiene algunas de las claves del cine de Tim Burton: el personaje protagonista incomprendido, los tintes autobiográficos, la realidad que convive con la fantasía...y por supuesto el tono trágico, recargado y poético, características que podrían convertirlo perfectamente en un relato corto más de Edgar Allan Poe.

Luego vendrían otras obras. A veces mejores y a veces peores, pero fundamentalmente originales y con una gran imaginería visual, llegando a tocar techo en mi opinión con un auténtico "landmark" en su género como Pesadilla antes de Navidad y con otra película maravillosa (mi favorita del genio), Ed Wood.

La tiranía de los géneros, y...

2005-04-07T02:36:00.000+02:00

...no me refiero a que sea simplista "reducir" las películas a unos prototipos. Lo será, sí, pero a cualquiera eso no le pesa nada a la hora de clasificar, hacer listas y escribir chorradas sobre las películas que le gustan. Al menos si se trata de alguien como yo.

Pero con lo de los géneros a lo que me refiero es a que algunos tienen una definición tan difusa que muchas veces no nos son en absoluto útiles para orientarnos. Por ejemplo: Probablemente uno de mis géneros favoritos sea la ciencia ficción. La ciencia ficción siempre me ha hecho disfrutar, aunque a veces fuera por puro interés...rayano en el voyeurismo. Me ha hecho disfrutar de películas buenas, mediocres, malas y de Misión a Marte. Para mí, por poner un ejemplo tonto, uno de los puntos fuertes (y no demasiado valorado) de muchas de las pelis de Schwarzie es que combinan la acción explícita con un tono que...como mínimo hace que te intereses por el mundo que te ponen delante. Generalmente mal planteado y desarrollado, de acuerdo, pero al menos con unas ciertas ideas ahí puestas de tal modo que tú puedas poner el resto. Esto no hará mejor a la película, evidentemente, pero es algo que como mínimo a mí me atrae por instinto.

La ciencia ficción, como digo, me gusta. Y ni siquiera sé lo que es.
Si ya es verdad que dentro de un mismo "género" puede haber (y hay) películas en las antípodas, la ciencia ficción muchas veces ni siquiera se considera como algo temático (al menos esa idea reflejan muchas de las clasificaciones que vemos habitualmente). Se supone, tirando de librillo, que es todo aquel material en el que aparezca un elemento (tenga la importancia que tenga en el desarrollo) que no existe pero que es razonablemente susceptible de existir. Pero, ¿nos dice esa descripción algo acerca de la película?

Lo dudo. Aún considerandola como válida (y yo creo que es la más literal de lo que significa "ciencia ficción") ...

¿En qué se parece Aliens, el regreso a Gattaca? ¿Y Naves misteriosas a Independence day? ¿Y 2001: Una odisea en el espacio a Desafío total? ¿Y Regreso al futuro a Brazil? ¿Y El show de Truman a Olvídate de mí? ¿?

Este post, para variar, no responde. Pregunta. ¿Qué es la ciencia ficción?

Una primera aproximación que se me ocurre es que, por temática, en esa categoría debieramos meter a las películas que se preguntan, y preguntan al espectador, qué podría pasar con nuestro mundo (o sociedad, o especie, o lo que sea) si... tal. Pero creo que se queda corta para describir, por ejemplo, cualquier obra sobre robots, ya que éstos en principio no tienen nada que ver con nosotros y su terreno sería quizás más cercano a la filosofía. Y así con muchos otros ejemplos.

Yo no sé. Pero dudo que se resuelva con un par de palabras.

El trío arbitral

2005-04-02T20:09:00.000+02:00

El prestigioso diario La Razón nos ofrece hoy una nueva perspectiva del mito:

Gandalf el gris

Saruman el blanco

El viejo...¿verde?

Carretera a ninguna parte (I)

2005-04-01T07:57:00.000+02:00

Si bien es verdad que hablar de algo sin ser un poeta puede arruinarle el misterio, como dijo David Lynch, en su caso particular la disertación acerca de sus películas puede ser casi tan interesante como el propio visionado.
O quizás no, pero en todo caso creo que es algo muy divertido, y parte del proceso de asimilación. Porque no se trata solo de sentarse ante una pantalla a recibir el habitual dogma, si no que la ausencia de una comunicación ortodoxa (la información no ha de ser explícita, puede estar en símbolos, metáforas...o sencillamente asentada sobre las imágenes o el sonido en lugar de sobre un texto) es algo que te obliga a "participar".
(En relación a esto: recomiendo la experiencia de, sin haber dormido nada la noche anterior, comparar la velocidad de aparición del sueño al ver la tele frente a cualquier otra actividad, ya sea estar sentado sin hacer nada. La pasividad de la televisión, y por extensión lo que nos acostumbramos a ver, se confirma empíricamente como un genuino lobotomizador)

En fin, a lo que estaba: si Carretera perdida tiene un argumento definido o no...es algo que solo Lynch y Gifford pueden saber. En cualquier caso, lo que me parece es que no se trata solamente de una secuencia aleatoria de escenas particularmente bien filmadas. Haya una trama entendible o no, como mínimo se puede decir que de algún modo las escenas de la película tienen una coherencia interna (¿una progresión dramática, podría decirse?) que hace que mantengas e incluso aumentes el interés según avanza.

No pretendo hacer un análisis propiamente dicho, entre otras cosas porque no sabría cómo hacerlo, si no sencillamente de dar mi visión sobre lo que ocurre en la película. Una interpretación de andar por casa, sin recurrir a que las cortinas rojas reflejen tal o cual cosa o que las llamadas simbolicen nosequé elemento de la psique. Tampoco me parece que se pretenda que el espectador capte esas cosas, si es que existen. Ni que Lynch se vea a sí mismo como un intelectual, por cierto (paradójicamente, opino que una película supertaquillera como Matrix reloaded tiene muchas más pretensiones intelectuales (-oides) que una como ésta, tan tildada de rarísima y en el fondo creo que tan elemental y primitiva en su funcionamiento).

Baste decir que, como tantos han dicho tantas veces, me parece que el cine de Lynch muchas veces confronta dos ideas básicas: lo cotidiano y apacible con lo oculto y tenebroso. Como si (haciendo un símil bastante obvio con la pintura) introdujese un elemento ajeno y extraño en un cuadro de Norman Rockwell o Edward Hopper. Y tras Terciopelo azul, Carretera perdida es el mejor ejemplo de esta dualidad.

Vaya combinación de colores tiene la película de marras...

Personalizando un poco más en la película, creo que lo que más llama la atención de ella es que es la obra en la que Lynch ha dado mayor rienda suelta al despliegue de recursos cinematográficos de que dispone (y estamos hablando de un arsenal verdaderamente importante). No sé si tras esto se enmascarará una falta de contenidos, si será una película "demagógica", pero la verdad es que impresiona. La casa en la que se desarrolla el comienzo (llena de luces y sombras, rincones oscuros, recorridos sinuosos, pasillos que se sumergen en la oscuridad...), todo el trabajo de fotografía, específicamente diseñado para cada momento de la película (hay algún trozo especialmente onírico que me parece increíble, cuando la oscuridad parece que se vaya a comer a los personajes a cada paso que dan), la música, el sonido...y en general todo un ejercicio de puesta en escena siempre al servicio de lo que se quiere recrear. Siempre contando la historia a través de ella.

Una interpretación de andar por casa (II)

2005-04-01T07:55:00.000+02:00

Respecto al argumento.

Dos cosas fundamentales:

Uno: Lynch ya mencionó alguna vez lo de la fuga psicogénica. Aparte de si eso es terminológicamente una enfermedad mental, cosa que no sé, fuga tiene dos acepciones significativas aquí: huida y composición sobre un tema y su contrapunto (en este caso las dos historias simétricas). Además, alguien (no sé si Lynch) también mencionó la cinta de Moebius. Un objeto formado de tal manera que parece que tiene dos caras, pero que en realidad solo es una. O dicho con licencia artística: son dos (Fred y Pete) y una (Fred) a la vez, como creo que pasa en esta película.

Dos: El diálogo clave, en la que se apoya toda la reconstrucción:

(Fred) - Me gusta recordar las cosas a mi manera -
(Detective) - ¿Qué quiere decir? -
(Fred) - Las recuerdo a mi modo. No necesariamente como hayan pasado -

De modo que mi interpretación es simple: Fred mata a su mujer por celos, por inseguridad, porque no es capaz de satisfacerla (en principio sexualmente, eso se ve en una escena del principio en la que le reconforta diciéndole que no pasa nada. Y otra escena curiosa es la de Fred tocando el saxo con una enorme energía... ¿estaría descargando ahí su energía sexual?). Entonces la culpa es demasiado fuerte para él y "huye" disociando su mente. Convirtiéndose en otra persona. Pete.
Por tanto, la segunda parte de la película es irreal...y la primera también (puesto que en ella Renne ya ha muerto, como se ve en las cintas).

Las cintas, por sus apariciones a lo largo del metraje, supongo que contienen cosas reales. Cosas que ocurrieron en realidad, en general todo aquello que según el sentido que estoy dando a la historia, Fred debería no querer recordar. Entre otras cosas, los asesinatos y los vídeos porno de Renne (presumible motivo de sus celos e inseguridad). Esto ve en el hecho de que los dos asesinados son, en ambas partes de la película, el director y el productor/socio de las películas porno. En la primera parte a Andy se le presenta de un modo más sutil (es el que le consiguió el trabajito a Renne) y de Dick no se dice nada. En la segunda, Andy es el mismo personaje, y Dick es el socio mafioso que durante la proyección de la película porno mete mano a Renne/Alice.

Por tanto, la primera parte tiene retazos de realidad (como la segunda) pero son solo detalles, porque ella ya está muerta. Son más bien recuerdos. Un momento muy significativo es cuando en la primera Fred le dice a Renne que la noche anterior tuvo un sueño espantoso. Llegó...y parecía ella, pero no lo era. ¡En las imágenes se ve perfectamente que es falso, que es ella, y además hace un ademán de protegerse con los brazos cuando éste se acerca!. Ése tiene que ser el momento del asesinato, que entonces casi llega a recordar. Fred dice que no era ella porque no es capaz de aceptar lo que ocurrió. Y momentos después, Fred mira a su mujer y tiene el rostro del hombre misterioso.

El hombre misterioso entiendo que es algo, simbólico, que sabe la verdad sobre Fred. Lo más recurrente es decir que es su conciencia. Yo no lo sé, pero es un personaje que se introduce para recordarle a Fred la verdad. Es el que tiene la cámara de vídeo y el que graba, y en una escena de la segunda parte le dice a Fred que Alice no se llama así, que su nombre es Renne, y le pregunta al propio Fred cómo se llama él.

La primera parte, entonces, está marcada por el hecho de que Fred ha matado a su mujer y no quiere aceptarlo. Algunos momentos son cosas que ocurrieron (más bien la manera en que las recuerda Fred, porque no creo que casi nada de la película se pueda considerar verdaderamente real). Hay guiños a por qué la mató, a quienes son los que mató además y por qué...hasta llegar al momento en que no resiste más y ve el asesinato de ella (lo que ve es por fin el desenlace del vídeo casero, con él descuartizándola, y posteriormente aparecen los policias y él pregunta si la ha matado). La realidad ha podido con la mente y ahora lo recuerda (lo que no quiere decir que realmente vaya a la cárcel, yo creo que eso, como los policias, como todo, es lo que él se ha inventado). Pero como no es dado Fred a aceptar la culpa, al poco vuelve a reventar y en la escena de la celda se convierte en Pete, dando comienzo a la segunda parte.

La segunda parte de la película es muy curiosa. Las cosas son más exageradas, más radicales. Al princicio todo es idílico. Numerosos detalles de puesta en escena apuntan a que Fred lo imagina todo como a él le gustaría que fuese, algo por otra parte lógico en alguien que huye de la realidad. Hay muchas pistas en este sentido, en mi opinión casi descaradas: La escena en la que ve su casa (elegante plano desde arriba con los recurrentes césped verde y valla blanca, mientras suena la apacible música de Jobim y el personaje mira como los juguetes de goma flotan en el agua, lo que en palabras de Lynch es un símbolo de tranquilidad). La escena en que conoce a Alice, que a cámara lenta y con "This magic moment" de Lou Reed parece un anuncio de Bacardi. La escena casi paródica (la palabra sería tópica) sobre el gangster que se mete en una pelea por una chorrada. Las escenas sobre su vida sexual, de las que un personaje dice que ese hijo de puta ve más coños que una taza de váter. Efectivamente, Fred es ahora un semental. Y él es quien se tira a la femme fatale y quien le quita la chica a otro.

Pero claro, pasa como al principio. La realidad es más fuerte que su mente, e incluso dentro de su ensoñación vuelve a él. No puede escapar completamente de lo ocurrido, y algunos detalles se van introduciendo sutilmente en esta segunda parte de la historia: Cuando oye el saxo por la radio y enseguida quiere quitarlo. Cuando sus padres se niegan a decirle qué ocurrió aquella noche (es de suponer que el favor que le hacen a Fred es no recordarle quién es en realidad, ellos son parte de su burbuja, su estructura defensiva). Cuando tiene un lápsus y en la foto de la casa de Andy ve a Renne...En definitiva, sus recuerdos están volviendo a él, y como consecuencia directa sus temores. Entonces, su sueño idílico se torna en una pesadilla: vuelve a recordar su inseguridad con Alice, y poco a poco ésta se convierte otra vez en la chica que le engaña a él. El momento culminante llega en el nunca me tendrás del desierto. En ese momento Pete desaparece y vuelve a ser Fred. Es el final del sueño, su fantasía se ha desvanecido, y lo que va a recordar ahora es lo que le faltaba de la primera vez. Cómo mató a Dick (lo de Andy fue unas escenas antes, más o menos lo mezcló). Aquí por cierto hay una imagen curiosa de una explosión al revés. Hay quien dice que es una metáfora de que ahí Fred invierte su disociación, reconstruye lo que se había cargado.

Después de esto, llega el final (principio) de la pelicula. Fred dice por el telefonillo que Dick Laurent está muerto. Le ven los polis y huye. La escena de la huida por carretera es una macarrada con música cañera, lo que me hace pensar otra vez en que se imagina las cosas como a él le parecen bien. La transformación física que vemos sufrir a Fred justo al final 1tiene que representar su transformación mental, cuando está conviertiéndose en otro. Que por cierto, creo que la carretera de línea discontinua sale las dos veces que Fred se "transforma" para olvidar, lo cual es otro significado simbólico bastante claro.

Por tanto, yo veo la película en este orden:

Fred mata a su mujer y a los que considera culpables de sus celos, el director y el productor de las películas porno. Después de eso, empieza la película. De alguna manera, en su huida (mental, físicamente no sabemos dónde está) su enfermedad se las arregla para "olvidar" que mató a esa gente. La realidad trata de volver a él, y lo consigue. En ese momento tiene su disociación (pasa a ser Pete, segunda parte): es decir, la segunda vez que se le va la pelota. Vuelve a olvidar, esta vez partiendo de cero, pero una vez más y paulatinamente su subconsciente destruye su sueño y le devuelve al mundo real, haciéndole recordar lo que pasó. Ése sería el final de la película, lo que no quita posteriores hipotéticas fugas después. De hecho, no me hubiera desentonado que en la última escena (Fred en el coche) su cara no fuera la de Bill Pullman ni la de Balthazar Getty. Al fin y al cabo ambas imágenes son posteriores al momento en que pierde la cabeza. Entonces sabríamos con certeza que en cierto sentido está "condenado", y que esa carretera por la que conduce al final no le va a llevar a ninguna parte.

En fin, de un modo u otro, se entienda como se entienda...una película fascinante. ¿O no?

The Life Aquatic with Steve Zissou

2005-03-28T19:49:00.000+02:00

Brevemente: la película más delirante que se puede uno encontrar en cartelera.

Lo que representa para mí es (lo digo sobretodo por el personaje principal), para empezar, una especie de retrato ...conscientemente inverosímil... de eso que solemos denominar un héroe de la infancia, visto desde esa perspectiva nostálgica, esperanzada y en parte disparatada. Un héroe más bien de capa caída, y que atraviesa sus más y sus menos durante la película (el tema principal va a ser su "crisis", dicho con muchas comillas), pero visto como un héroe al fin y al cabo, idea que por cierto parecen reforzar algunos guiños a Costeau en las pelis anteriores de Wes Anderson.

He de reconocer que no entiendo varias de las cosas más enraizadas en el mundo personal e intransferible (el "universo propio", que dirían los críticos) de este nuevo genio americano. A nivel de lo que quieren significar, me refiero, de por qué las introduce (como por ejemplo el absurdo tiroteo de Bill Murray contra los piratas en esta película), pero tampoco creo que haga falta. Hablando ya de Life Aquatic en concreto, la verdad es que casi todos los personajes de este viaje alucinante, aún retratados desde la más absoluta irrealidad (ambiente presente por toda la película, por ejemplo en la animación fotograma a fotograma de las criaturas marinas por parte de Henry Selick) tienen un lado extrañamente cercano y terminan por hacerse entrañables, empezando claro está por el divertido, cínico, extravagante, inmaduro y (una vez más) entrañable Steve Zissou, a cargo de un Bill Murray inmenso, prodigio de la comicidad sin muecas.

También creo que incluso dentro de su contexto surrealista hay que castigar cosas (de todos modos, como he dicho, no creo haberla entendido del todo) pero por suerte son las menos. Entre los aspectos que menos me convencieron a mí se cuenta la relación entre Owen Wilson y Cate Blanchett, que no llega a los niveles de "sensibilidad" de (por ejemplo) Luke Wilson-Gwyneth Paltrow en Los Tenenbaums. Lo que tampoco es de extrañar, ya que la película se centra más en el personaje de Steve Zissou, pero ya que hablo de esto, la verdad es que la aparición del triángulo amoroso en el que él participa tampoco es todo lo satisfactoria que cabría esperar. Comparando otra vez con una obra suya anterior, creo que el de Academia Rushmore era más espontáneo, menos forzado, y sobretodo estaba más desarrollado. Aquél era un motor de la película, mientras que el de Steve, Ned y Jane parece más un elemento externo introducido para poder empujar a Zissou a su crisis existencial.

También debería decir que, por contraposición a la mayor parte del humor de la película (que es más inherente a las escenas...está como más integrado...) me rechinaron algunos de los chistes expresos. Esos que llevan "una pausa para que el público que se ría", por así decirlo.

Con todo, el capítulo de ventajas es mucho mayor. Humor, sensibilidad, y un espíritu transgresor, como dijo Gasset, que la convierten en una película absolutamente recomendable. Aunque no sea el plato más fácil (o "normal", mejor dicho) de los que conforman el menú del cine actual. Pero de momento, probablemente mi película favorita de Wes Anderson.

Como en el PP, lo que falla es la comunicación

2005-03-24T01:33:00.000+01:00

Carretera perdida es una de las películas más míticas de los últimos años. Cuando se estrenó, allá por 1997, las referencias no podían ser más prometedoras. Por ejemplo, una anécdota rápida: En la facultad en la que estudiaba mi hermano, un profesor recomendó a sus alumnos que fuesen a ver la peli, a ver si sencillamente alguien era capaz de explicarle de qué trataba. A mí nunca me habían introducido una película de manera semejante, y (además) por aquel entonces todavía no sabía nada de Lynch.

Ahora ya no. He visto la mayor parte de su filmografía (digo "he visto" en vez de "conozco" porque a algo así no me atrevo), y recientemente, además, Carretera perdida. Y me ha hecho recordar la vieja discusión sobre el cine "arte" y el cine "entretenimiento". Una dicotomía que, francamente, no entiendo muy bien porque (aunque es verdad que hay que estar de un humor determinado) creo que las películas con mayor "interés artístico", o las más innovadoras, deberían ser las que con más fuerza atrayesen nuestra atención.

Pero bueno. Lo curioso, lo que quería decir, es que (aunque yo me declaro admirador suyo, y creo que como mínimo tiene un gran dominio de los resortes cinematográficos) a mí me da que hasta entre los más fervientes defensores de Lynch alguno habrá que haya dudado en algún momento sobre si ese tío tiene la más mínima idea de lo que dice. Ya es bastante gracioso ver a los actores hablando sobre él en las entrevistas, cuando se nota que no saben qué decir y repiten una y otra vez frases hechas sobre lo más banal, el trato personal y lo cómodo que es trabajar con él (luego hay quien dice de los futbolistas), pero sin duda los más sonrojantes son los que realmente no saben qué decir y casi pretenden hacernos creer que lo que no son capaces de explicar al entrevistador es que es totalmente obvio. Un only a creative genius like David can do it, sobretodo si se acompaña de un gesto a lo "esto que estoy diciendo cae por su propio peso", saca del apuro a cualquiera en una de esas situaciones, y si no que se lo digan a algunos de los intérpretes de Carretera perdida o Mulholland drive. También los hay que reconocen sin complejos que no entienden el guion o lo que quiere decir Lynch (Robert Blake, por ejemplo), pero por lo que he visto suelen ser los menos.

Y si curioso es verles a ellos, lo de Lynch a veces es francamente surrealista. Tanto o más que sus películas. Recuerdo alguna entrevista que, más que en un programa del Sanchez Dragó, donde encajaría bien es en uno de esos absurdos programas de entrevistas a lo BBC del Monty Python's Flying Circus. O bueno, en el que cada uno considere más delirante de los dos, que yo mismo no lo tengo muy claro.

Hecho este comentario chorras, decir que a mí la película no me pareció tan incomprensible (creo que las tiene mas raritas, la verdad)...así que a ver si escribo pronto sobre lo que entendí yo.
Eso sí, no creo que se pueda tener claro ni siquiera si se hizo o no con la intención de que hubiera una única interpretación correcta. Tal vez algunas cosas sean conscientemente ambiguas, irresolubles incluso para el autor, pero como decía la hermosa Naomi Watts (que por cierto hacía unos comentarios bastante inteligentes en su entrevista del DVD de Mulholland drive), creo que cada uno tiene que buscarle el significado que entienda, el que pueda (if you can't work it out...come up with something) para que por debajo de las imágenes haya un sentido, un significado que haga todavía más interesante a una película que resultaría fascinante ya solo por sus imágenes...con simbología o sin ella.

Falsas esperanzas

2005-03-21T16:08:00.000+01:00

La película se llama Nuestros labios están sellados. Y a pesar de que las hermanas Olsen apenas tenían 13 añitos al protagonizarla, la calificación por edades no permite que la vean los menores de 15 años solos.

¿Soy un puto enfermo, o llevaba yo razón al esperarme otra cosa cuando me la bajé de internet?

Las cada día menos modosas hermanas

Summa cum laude: El apartamento

2005-03-06T01:51:00.000+01:00

De entre toda la gama de películas aparentemente dispares que ha filmado Billy Wilder, que están siempre caracterizadas, eso sí, por su inteligencia y por un escepticismo que tal vez le inculcó el drama que vivió de joven en su éxodo a los Estados Unidos, El apartamento es para mi gusto la piedra más preciosa que podemos encontrar. Él mismo lo decía así, aunque fuese como mínimo por ser la película una perfecta conjunción de éxito, crítica, público, premios (con esta película fue la primera persona en recibir tres oscars en un mismo año, por sus labores de dirección, guion y producción), etc...

El famoso argumento surgió a raíz del visionado de otra película: Breve encuentro. En ésta, dos amantes se reunían en el piso que un tercero había prestado al primero, idea a la que Wilder dió la vuelta planteándose cómo sería la vida del hombre solitario que había prestado las llaves de su casa para que los enamorados tuvieran su momento de intimidad. Pero esta historia, que podría haberse convertido fácilmente en un retrato amargo, derivó inmediatamente en una gigantesca burla en la que los ocupantes del apartamento ya no eran románticos desheredados por el destino, sino altos ejecutivos, crápulas desvergonzados que usaban su bien situada posición para aprovecharse de todos los que encontrasen en su camino.

Tal retrato, directo y demoledor, de la sociedad puritana y "civilizada" de la época, fue el fondo sobre el que Wilder dibujó una hermosa historia que combinaba con gran acierto la alegría y la tristeza. Y por ello, a pesar de la "amabilidad" exterior, de la ternura con que estan retratados los protagonistas (por ejemplo en todas esas escenas en las que Lemmon se sacrifica para proteger a MacLaine y tratar de impedir que sufra) y del humor y simpatía con que lo estan los secundarios (me refiero a los mandamases de la compañia), el fondo despiadadamente burlesco le causó por parte del sector más conservador unas críticas feroces en las que se usaban términos como "degeneración moral", "repugnante", "libertina", "lasciva", "asquerosa", "repulsiva"...fenómeno, qué casualidad, similar al que vivió con otras películas de similar carácter ácido e inmisericorde como El crepúsculo de los dioses o El gran carnaval.

Pero El apartamento es, para empezar, una obra llena de sutileza y elegancia, en cuya narración predomina lo insinuado, la elípsis, sobre lo explícito, característica esta casi inherente al cine de Wilder. El celebérrimo uso del espejo roto (MacLaine le presta un espejo a Lemmon, que al mirarse y ver que está roto (metafórico plano con su cara quebrada por la fractura del espejo, a la que luego ella añadirá la frase "Si, lo sé [que está roto]. Me gusta de esa manera. Así me veo tal como me siento"), descubre que ella es la chica a la que MacMurray ha llevado a su apartamento) es el que primero se suele citar, pero hay muchos más detalles similares ...variaciones del toque Lubitsch, si se quiere. Por ejemplo el momento de esa misma escena en que él le enseña a ella la felicitación familiar de MacMurray, causando su triste suspiro, o la escena en que él dice que tiene una cita y cómo se resuelve, o la de la dimisión, jugando con el equívoco de las dos llaves (que permite a Wilder engañárnos con respecto a lo que va a pasar), o la escena del final, con un equívoco similar a raíz de una botella de champán. Y habría que destacar que también por insinuaciones sabemos que El apartamento no es una película que termine realmente "bien" (dicho sea en el sentido despectivo de "con todos los buenos felices"), cosa que en cierto modo hubiera roto la coherencia argumental, si no que MacLaine se limita a dejar a MacMurray pero de modo que los espectadores sobreentendemos que tampoco se va a quedar con Lemmon: El sello Wilder una vez más.

No solo tiene la película elegancia en la exposición de lo que ocurre, si no que también da en el clavo de lleno y constantemente, ya sea para expresar una idea de la mejor forma posible o para captar el lado grotesco y ridículo de temas supuestamente serios.

Por ejemplo: en la empresa en la que trabaja Lemmon, cada vez que éste intenta hablar acerca del trabajo con sus superiores, tiene que aguantar el ver, de formas muy divertidas para nosotro, cómo éstos no le escuchan y solo están interesados en qué bebidas tendrá en la nevera o en dónde dejará la llave, claro ejemplo de la gran mascarada que es esa empresa y por extensión esa gente teóricamente respetable (tan hipócrita es el personaje del señor Sheldrake (MacMurray) que le pide la llave del piso a Lemmon justo después de haberle sermoneado sobre las manzanas podridas de la empresa (los ejecutivos que usan el apartamento), y éste, inconscientemente, no puede evitar hablar de él en términos de otra manzana podrida más).

Y otro ejemplo fundamental de esta agudeza: la relación entre el jefazo y la ascensorista, que cuenta, entre otras, con una escena magistral en la que una y otra vez se nos muestra cómo a él no le importa de verdad ella, por mucho que se empeñe en sostener lo contrario, y la situación tan surrealista en que ella está obligada a vivir. (Para muestra: cuando, en el apartamento de Lemmon, MacLaine le regala el elepé a MacMurray, éste le dice que será mejor dejarlo allí mismo (no quiere llevarlo a su casa porque tendría que explicar de dónde lo sacó), lo que da una idea certera del alcance que puede tener esa relación, que de hecho solo existe en ese tugurio que los ejecutivos usan para traer a sus ligues. Momentos despúes, en la despedida, cuando él pretende consolarla, la propia MacLaine intenta disuadirle por dos veces (primero diciéndole que perderá el tren y después advirtiéndole de que no la bese porque tiene los labios pintados), y para su desdicha...lo consigue ambas veces, y MacMurray se marcha de allí tan fresco y tan alegre).

Estas consideraciones acerca de los personajes nos llevan a otro de los puntos fundamentales de la película: los actores protagonistas. Un Jack Lemmon, rey de la comedia, en un rol (de hombre corriente) absolutamente a su medida, y una aniñada Shirley MacLaine que usó su talento y su voz para crear un personaje dulce y vulnerable como pocos. Ambos bordaron sus respectivos papeles, pero ninguno ganó el oscar. Es famosa también ya la frase de ella: "perdí por una traqueotomía" (en referencia a la que sufrió Elizabeth Taylor, la muy polémica ganadora del oscar en aquella edición). También destaca Fred MacMurray en una interpretación eminentemente cómica (tampoco él me parece un gran actor) y Jack Kruschen, que recibió otra nominación al oscar por encarnar al entrañable médico que ayuda a la vez que riñe a Lemmon.

Shirley MacLaine: Una de las mujeres más sinceramente adorables que nos ha dado el cine

Otras virtudes a citar de la película pueden ser su excelente banda sonora (más bien su excelente tema principal) o el trabajo de dirección artística que le valió un oscar a Alexandre Trauner (el decorado principal de la oficina de Lemmon se hizo usando enanos y muebles en miniatura, además de un fondo pintado, para dar una sensación de amplitud mucho mayor de la que tiene en realidad).

Y como no, Wilder, ya fuere acompañado de Charles Brackett, I.A.L. Diamond o cualquier otro, siempre ha sido un maestro en materia de diálogos, en su caso punzantes como cuchillas de afeitar (como dice la famosa frase de William Holden acerca del cineasta austríaco). Es por ello que intentar citar todos los que contiene El apartamento parece misión imposible, así que es algo que no voy a abordar. Baste decir, como colofón a este comentario, que me puse el DVD de esta absoluta obra maestra para poder citar literalmente los diálogos de los que hablo, y me la he vuelto a tragar casi entera por enésima vez.

Ficha de la película en la IMDB

Caballos perdedores

2005-02-28T13:10:00.000+01:00

Las películas normalmente se pueden clasificar por lo "oscarizables" que son.

Por un lado tendríamos las mastodónticas, habituales superproducciones en las que mientras se planifica la película se decide qué modelos lucirán sus estrellas en la alfombra roja. Son obras hechas con un ojo puesto en los premios, a veces incluso llegando a extremos ridículos por incluir elementos que no pegan ni con cola solo para poder optar a más estatuillas (por ejemplo mejor canción: baste recordar aquella sobre Gollum que nos colaron con todo el morro del mundo en los créditos de Las dos torres, o este año mismo la de El fantasma de la ópera).

El aviador es una de esas películas, y además es un biopic, género tan habitual que quizá debería considerarlo aquí como una subclase de película oscarizable. No lo digo por decir: tres de las cinco candidatas este año se basaban en personajes reales, y eso por no hablar de los candidatos a mejor actor principal (todos menos Eastwood) más Sophie Okonedo, Laura Linney, Cate Blanchett, Alan Alda...

Luego están las películas sentimentales, en las que se valora más la emotividad que la calidad propiamente dicha. Qué duda cabe de que la academia tiende a premiar más a aquellas cintas que hacen sentirse "bien" al respetable cuando se encienden las luces, así que para estas películas quedan directamente prohibidos los desarrollos complejos, los temas escabrosos, los protagonistas ambiguos o simplemente malvados, y cualquier cosa que pueda hacer sentir incomodidad al votante sexagenario que se sienta en la butaca tras venir de alguna partidita de golf entre peces gordos del sector. Descubriendo Nunca Jamás es de este grupo.

También hay películas demasiado serias, complejas, poco glamourosas, independientes o directamente europeas para poder optar a los premios. Un claro ejemplo de este año sería Entre copas (hay muchos más: El hundimiento, Olvídate de mí, Antes del atardecer...), que desde un primer momento hemos visto como caballo perdedor al no poder competir en presupuesto y publicidad con las otras. Entre copas es una película que funciona como un reloj en todas sus pretensiones (abundancia de humor y de drama -siempre con sutileza, sin llegar nunca a la lágrima fácil-, mezcla idónea de realidad con licencias artísticas para resultar verosímil y hermosa, cantidad justa de poesía para deleitar sin resultar pedante...) y ésa es, paradójicamente, una de las claves de su perdición. Su maravilloso final "no-feliz" tan a lo Billy Wilder no es lo bastante épico, lo bastante grandioso para triunfar en los oscar. No se hizo el trabajo del pequeño gran Alex Payne pensando en marcar una época ni en dejar huella. Es una película relativamente sencilla y humilde, y eso puede ser una losa tremenda para este Hollywood.

Por último habría películas que no pertenecen a ninguno de estos grupos. No se hicieron buscando a oscar desesperadamente (pobre Saint Martin), pero son entendibles por los académicos. Aquí se encuentra Million dollar baby, ese último pedazo de trabajo de Clint Eastwood que se ha llevado el gato al agua esta vez. Y francamente, me alegro. Lo de Martin Scorsese es ya uno de los mayores agravios que los chicos de Louis B. Meyer han cometido en toda su historia, pero eso no es excusa para andar ahora con los habituales premios de compensación.

El bueno de Clint

Mientras que Clint amasó todo lo importante, el megalómano pero fallido proyecto de Scorsese solo recibió algunos merecidos premios técnicos (montaje y dirección artística de dos profesionales como Thelma Schoonmaker y Dante Ferreti) y "robó" alguno que otro, como el de fotografía a La casa de las dagas voladoras. Amenabar ganó su oscar con Mar adentro (gracias a Dios los presentadores del plus no se pasaron demasiado en darnos la tabarra con él, aunque por apropiarse se apropiaron hasta de Jorge Drexler y Catalina Sandino Moreno por sonar a hispano). Los guiones fueron justamente otorgados (Payne y Kaufman), mientras que en interpretación algunos hubieramos preferido ver ganar a Don Cheadle o Virginia Madsen, por no hablar de los grandes ausentes Bruno Ganz y Paul Giamatti. Pero este año, la verdad, la academia se ha portado al menos en lo más importante.

Para que luego digan que la gala no tiene interés...

Enlaces:

Todos los ganadores de la 77ª edición de los oscar

La página oficial de la Academía de las artes y las ciencias cinematográficas de Hollywood

Dejándolo todo para el último momento

2005-02-26T12:53:00.000+01:00

En vista de la proximidad de la ceremonia de los oscar, que es en la madrugada del domingo al lunes, me propongo a hacer una auténtica machada cinéfaga yendo a ver (entre ahora mismo y dicha madrugada) 5 de las películas importantes que me faltan para tener un mínimo elemento de juicio.
Lo que ya no tengo tan claro es cuales han de ser las elegidas. Por Entre copas ya me corre prisa desde hace tiempo, y supongo que debería completar el quinteto de las "mejores películas" con Descubriendo nunca jamás y Ray. Las otras dos ya no las tengo tan claras (y digo que han de ser dos porque es más o menos lo que humanamente me da tempo a ver) , aunque creo que voy a optar por Hotel Ruanda, que me apetece y así veo a Don Cheadle, y por El hundimiento, que siempre me han ido las de nazis. Pero me vendrían bien recomendaciones.

Enlace: lo que hay en esta página es lo que tengo disponible para ver

Emboscada desde todos los lados

2005-02-15T01:15:00.000+01:00

Aquí, algunas imágenes:

La película es Shi mian mai fu (La casa de las dagas voladoras, de Zhang Yimou, aunque la traducción literal sería algo así como "emboscada desde diez lados").
A pesar de su fría acogida en Cannes, el último trabajo del alumno más aventajado de la quinta generación de cineastas chinos es, en opinión de este humilde servidor, una película más equilibrada y redonda que Ying xiong (Héroe), que no se queda en el abrumador preciosismo estético de esta última (en la que podía parecer que el objetivo principal era dejar boquiabierto al respetable a base de un torrente de imágenes salidas de la mano de un Yimou ensimismado con el potencial de los efectos por ordenador) , si no que, por contra, se asienta sobre una sencilla pero funcional historia de amor intercalada entre las premisas del Wuxia Pien (algo así como el equivalente cultural chino del género de aventuras/capa y espada), para dar vida a la leyenda con unas imágenes sencillamente indescriptibles mientras el respetable pasa toda la película con los ojos como platos. Es verdad que los personajes no están demasiado definidos, pero no es menos cierto que la película encuentra sus propios caminos para alcanzar una intensidad dramática y una emoción que ya quisieran para sí muchísimas películas.

Aquí el punto es que en los oscars de Hollywood, tan dados además a producciones espectaculares y con presupuestos que a veces lo son más que la propia película, de entre tantas y tantas categorias premiables, como mejores efectos visuales, mejores efectos sonoros, mejor sonido, mejor diseño de vestuario, mejor dirección artística, mejor fotografía o mejor película de habla no inglesa (y eso por no hablar ya de mejor director y mejor película), La casa de las dagas voladoras opta a...un premio. ¿Qué coño les pasa a estos yankees?

Si realmente quieres saber acerca de la película, sal ahora mismo de este blog pinchando AQUI.

Otros links:

Ficha de la película en IMDB
Críticas varias

El cine como mercancía

2005-02-08T18:24:00.000+01:00

El espíritu mercantilista de la maquinaria hollywoodiense (así como el país al que pertenece) no hace más que crecer. En Estados Unidos, día sí, día también, vemos ejemplos de todo esto:

Películas sin apenas campaña publicitaria como Zatôichi tienen que competir "en igualdad de condiciones" (sí, el libre mercado) con otras como El último samurái, para las que la campaña publicitaria puede representar un coste desmesurado en comparación con el de la producción de la propia película. Otras, como Ying xiong (Héroe, de Zhang Yimou), reciben un impulso publicitario por parte de una de las majors (después que ésta haya adquirido sus derechos, claro está) y baten records de taquilla en el sector de las películas foráneas. Y otras, como Siu lam juk kau (Shaolin soccer, de Stephen Chow), llevan tanto tiempo esperando, secuestradas, que ya ni siquiera saben lo que es ser expuestas en una pantalla de cine.

Es evidente que esta voluntad de hacer negocio por encima de todo acaba redundando en no querer correr riesgos al producir, lo que al final se traduce en que solo se hacen películas sobre fórmulas ultra-repetitivas que aseguren el éxito. Y eso no beneficia al cine como expresión artística, desde luego.

El caso es que, en 1946, 78,2 millones de estadounidenses iban al cine todas las semanas, y en 1971 la cifra se había reducido a 15,8 millones. Cifras del mismo signo se pueden ver en otros grandes países productores, como Japón (en 1958 había 1,6 millones de televisores, y la asistencia a los cines era de 1.000 millones de entradas. En 1969, con 21,9 millones de televisores, la asistencia llegó hasta los 300 millones, y en los 70 siguió bajando hasta los 150 millones).

En Estados Unidos, la caída del sistema de grandes estudios en los 60 (coincidiendo con el auge de la televisión y con las revoluciones del final de la década) provocó que se diera paso a una época con muchos cambios ("la generación que cambió Hollywood", ya se sabe), en la que directores jóvenes y con espíritu renovador (Scorsese, Altman, Spielberg, Coppola, Lucas, Beatty, Bogdanovich, Hopper, Polanski...) adquirieron mucho peso dentro de la industria, en una especie de renegociación del contrato cineasta-productor. Y a raíz de ese peso, se pudieron filmar monstruosidades fílmicas como El cazador o Apocalypse now, que hoy seguramente serían tachadas de despilfarros, pero que representan cotas muy altas de cine.

Una vez la libertad creativa fue más amplia, y mayores los riesgos asumidos, pasó lo que tenía que pasar. Una de esas películas arriesgadas, La puerta del cielo, de Michael Cimino, fue un fracaso tan estrepitoso (el coste previsto inicial de 2 millones subió hasta 40, y encima recaudando muy poco en la taquilla, a lo que siendo honesto habría que añadir que Cimino prácticamente usaba los billetes de 100 para limpiarse el culo) que hundió a la United Artists hasta los límites de la bancarrota y provocó su venta a la MGM. Esta toma de conciencia, unida al cambio de talante de algunos de aquellos directores renovadores cuyo nombre (Spielberg, Lucas...) conviene recordar, y al cambio social escenificado por la elección de Reagan, provocó que se volviera a una concepción del cine en tanto que negocio que debe estar lo menos sujeto posible a la posibilidad de fracasar.

Ahora mismo es difícil saber hacia dónde tirará el negocio/arte/mundo del cine, pero lo bueno es saber que otra revolución más (la anterior había sido la distribución masiva de la televisión), internet, está posibilitando que películas que antes se tenían que limitar a la distribución local y si acaso a las filmotecas, lleguen a los ordenadores de miles y miles de adolescentes frikis dispersos por todo el mundo. En sus manos está liderar la batalla contra la globalización cinematográfica y por la pluralidad (mientras aún quede algo de ella). Dios nos asista.

Eternal sunshine of the spotless mind

2005-02-03T18:07:00.000+01:00

Según cuenta la leyenda, la idea para Eternal sunshine of the spotless mind, terriblemente traducida como Olvídate de mí, surgió cuando el director Michel Gondry cenaba en Londres con un amigo, el artista Pierre Bismuth, que le sorprendió con una original premisa para un guión: ¿Qué pasaría si recibieras una carta avisándote de que habías sido borrado de la memoria de alguien y que no deberías intentar ponerte en contacto con esa persona?

Unos cuantos años después, el resultado del tándem Gondry-Kaufman (mejor Kaufman-Gondry) ha resultado ser una de esas pelis que le parece un rollo a la mayoría del público consumidor de fast-cinema, pero que encumbran unos cuantos intelectuales de gafas de pasta y mochila al hombro. Ha conseguido ser la favorita de la crítica, y en las votaciones de la IMDB, habitual santuario de flipados, eso sí, aparece como la 32ª mejor película de la historia.

La cuestión es si realmente merece tantas alabanzas o si su valor se ha sobredimensionado por estar rodeada de tanto borreguismo cinematográfico. Yo personalmente tenía ganas de que me gustase la película ya mucho antes de verla, y siempre estoy predispuesto favorablemente hacia las películas que siquiera intentan algo nuevo y diferente, o al menos no ideado para satisfacer los requisitos de algún estúpido estudio de mercado hollywoodiense cuyo mayor mérito haya sido determinar la cantidad exacta de tetas en pantalla necesaria para atraer a los jóvenes sin asustar a los mayores.

Veamos: La idea y el desarrollo (en términos generales) de la película son relativamente sencillos y coherentes. Joel y Clementine son novios, y en un momento dado ella decide someterse a un "borrado de memoria" porque está harta de él. Joel se entera y, dolido, hace lo mismo, solo que en mitad del proceso (que va desde los recuerdos más recientes hasta los más antiguos, es decir, retrocede en el tiempo, como en Memento) redescubre su pasión inicial (lógico, los primeros momentos fueron los más felices de la pareja) y trata por todos los medios de detener el proceso.

Lo primero que destaca es el hecho de que la historia esté contada al revés. Como en Memento, al tratarse de un orden inverso se necesita que al final (es decir, al principio) ocurra algo que nos aporte una nueva perspectiva sobre lo que ya hemos visto, ya que en teoría conocemos todo lo que va a pasar después y sin esa nueva perspectiva no habría intriga ni sorpresa. En Memento veíamos cómo el protagonista "descubría" al asesino al que había estado persiguiendo durante todo el metraje, y en Olvídate de mí, la última frase de Clementine en el sueño nos hace ver de modo distinto el comienzo y el final de la película (que son secuenciales en el tiempo, todo el trozo intermedio es un flashback).

Además, este recurso del orden inverso permite que el viaje mental de Joel tenga un final emotivo, "feliz", cuando en realidad la historia acaba "mal", con insultos y reproches. Pero si lo miramos detenidamente, este final feliz debería tener truco, ya que en la supuesta despedida (la que no pudieron tener en la realidad) que presenciamos en la escena de la playa...no es Clem quien habla, sino la mente de Joel, a través del personaje de ella. Es decir, Joel y Clem no se despiden, todo es una invención de la mente del primero, lo cual por cierto tiene mucho sentido, porque las personas tienden a idealizar mentalmente a las demás...

Este nuevo enfoque (el enfoque coherente, en realidad), le daría a la película un toque bastante más perverso, pero por desgracia no se corresponde con lo que se ve en la pantalla. Ya que, si no es la Clem real la que habla con Joel en el sueño: ¿Cómo es que a la mañana siguiente se presenta en Montauk, cuando además el borrado de su memoria había sido varios días antes?
Sin duda es un fallo del guion, y bastante grave, pero que sin embargo no debería empañar excesivamente el resto del trabajo.
Aparte de las ideas del prolífico Charlie Kaufman, merecen comentario en esta película la sutil y onírica puesta en escena de uno de los hijos pródigos de la generación MTV, Michael Gondry, la magnífica banda sonora del músico Jon Brion, y las interpretaciones de Jim Carrey (en uno de sus papeles más contenidos) y de Kate Winslet (haciendo precisamente la interpretación alocada e histriónica), aunque todo el reparto está a un buen nivel.

http://www.imdb.com/title/tt0338013/

Are you talking to me?

2005-02-01T23:59:00.000+01:00

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2005-02-01T23:57:00.000+01:00

Incipere dimidium est.